Filmstarts im Gloria Palast

In einer Zeit großer Veränderungen und großer Schönheit trat die Persönlichkeit von James McNeill Whistler in den Vordergrund. Von manchen als einer der großen Erneuerer der Kunst des 19. Jahrhunderts angesehen, war er ein Zeitgenosse der Impressionisten und wurde von Van Gogh und Manet sehr bewundert. Mit seinem mutigen Experimentiergeist und seinem berühmten Witz durchbrach Whistler die strengen Konventionen der viktorianischen Gesellschaft, um einem neuen Schönheitsideal nachzugehen. Er schuf „Kunst um der Kunst willen“ und sicherte sich damit einen Platz in der Geschichte der großen Kunst. Er sah eine Parallele zwischen Malerei und Musik und betitelte viele seiner Gemälde mit Begriffen wie „Arrangements“, „Harmonien“ und „Nocturnes“, womit er die Bedeutung der tonalen Harmonie in seinem Werk betonte. Sein berühmtestes Gemälde, „Arrangement in Grey and Black No. 1“ (1871), allgemein bekannt als „Whistlers Mutter“, ist ein verehrtes und oft parodiertes Porträt der Mutterschaft. Es ist wohl eines der berühmtesten Gemälde der Geschichte, und dieser Film enthüllt den Künstler hinter dem Kunstwerk. Die Tate Britain veranstaltet derzeit die erste große Whistler-Retrospektive seit drei Jahrzehnten. Diese Blockbuster-Ausstellung verspricht, der Welt erneut vor Augen zu führen, wie wichtig Whistler für die Kunstgeschichte ist, und vereint weltberühmte Meisterwerke mit selten gezeigten Arbeiten. „Exhibition on Screen“ bringt diese atemberaubenden Werke und die unglaubliche Geschichte dahinter in Kinos auf der ganzen Welt, solange die Ausstellung noch läuft, und macht diesen wahrhaft globalen Künstler einem weltweiten Publikum zugänglich.
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Der mächtigste Mann der Welt begibt sich auf eine verzweifelte Mission, um zu beweisen, dass er der Retter der Menschheit ist, bevor die von ihm ausgelöste Katastrophe alles zerstört. Oscar®-Preisträger Tom Cruise spielt die Hauptrolle in dem Originalfilm „Digger“ des Oscar® -prämierten Regisseurs Alejandro G. Iñárritu, einer Produktion von Warner Bros. Pictures und Legendary Pictures.
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Basierend auf Colleen Hoovers Bestseller erzählt dieser ebenso verführerische wie fesselnde Psychothriller die Geschichte der renommierten Autorin Verity Crawford (Anne Hathaway) und Lowen Ashleigh (Dakota Johnson), einer bislang recht erfolglosen Schriftstellerin, die auf das abgelegene Anwesen der Crawfords zieht, um für Verity als Ghostwriterin zu arbeiten. Nachdem Lowen scheinbar Veritys erschreckende autobiografische Aufzeichnungen entdeckt, gerät sie in einen Strudel verstörender und verwirrender Geständnisse über Veritys Ehemann Jeremy (Josh Hartnett) – und ringt damit, Fiktion von Realität, Manipulation von Anziehung und Gelegenheit von Besessenheit zu unterscheiden.
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Im Jahr 2030 ist der ehemaligen Schauspielerin Frau Winkler (Angela Winkler) nichts mehr geblieben als ihre Tochter Emi (Laura Tonke) und Enkelin Billie (Zoë Baier). Ihr geliebter Ehemann und Bühnenpartner ist viel zu früh verstorben; aus ihrer Trauer hat Frau Winkler nie ganz herausgefunden und sich immer ganz auf Emi verlassen. Als diese, ebenfalls Schauspielerin, ein Theaterengagement annimmt und endlich ihr eigenes Leben in die Hand nehmen will, ist ihre Mutter nach einem Unfall plötzlich auf intensive Hilfe angewiesen, und es muss schnell eine Lösung her: ein Pflegeroboter, den die Krankenkasse stellt. Frau Winkler fühlt sich gedemütigt und wehrt sich vehement gegen die maschinelle Zuwendung. Doch dann entwickelt sich eine unerwartete Freundschaft zwischen der 80-Jährigen und dem äußerst „belesenen“ Roboter, den sie Pawlowitsch nennt und der zu ihrer Verzückung wunderbar Tschechow rezitieren kann. Aber Pawlowitsch ist nicht nur eine interessante neue Gesellschaft für Frau Winkler, er übermittelt auch ihre sich stetig verschlechternden Vitalwerte an ein auf Effizienz bedachtes Gesundheitssystem. Pawlowitsch verspricht, ihr beizustehen, aber kann eine künstliche Intelligenz einem Menschen ein Versprechen geben, das auch zu halten ist? Eine bittersüße, zutiefst berührende Tragikomödie über Fürsorge, Verlust, und menschliche Widerstandskraft in einer zunehmend technisierten Welt: Einmal mehr widmet sich Regisseurin und Drehbuchautorin Doris Dörrie brennenden Themen unserer Gegenwart und knüpft damit an die emotionale Tiefe ihrer Meisterwerke wie KIRSCHBLÜTEN – HANAMI und GRÜSSE AUS FUKUSHIMA an. FRAU WINKLER VERLÄSST DAS HAUS ist zugleich eine Verbeugung vor der Schauspielkunst und einer Ikone des deutschen Films, Angela Winkler (HEIMSUCHUNG – EINE JAHRHUNDERTGESCHICHTE, SUSPIRIA), die in der Titelrolle eine der unvergesslichsten Leistungen ihrer Karriere liefert. An ihrer Seite brillieren unter anderem Laura Tonke (ACH, DIESE LÜCKE, DIESE ENTSETZLICHE LÜCKE, 22 BAHNEN, AMRUM) und Josef Ellers (VIENNA BLOOD).
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Wien in den späten 1920er Jahren: Als Schüler aus reichem, jüdischem Elternhaus wird Bruno Kreisky von der sozialistischen Arbeiterjugend nur widerwillig aufgenommen. Als die politischen Spannungen im Land eskalieren, riskieren Bruno und seine jungen Mitkämpfer:innen alles. Zusammen organisieren sie verbotene Treffen, verteilen Widerstandsaufrufe und lehnen sich gegen das faschistische Regime auf. Dabei setzen sie nicht nur ihre Freiheit, sondern auch ihr Leben aufs Spiel. Unerschütterlich verteidigt Bruno seine Ideale und geht entschlossen seinen Weg – vom jugendlichen Rebellen zum sozialdemokratischen Weltpolitiker. Der österreichische Erfolgsregisseur Harald Sicheritz (HINTERHOLZ 8) widmet sich mit BRUNO – DER JUNGE KREISKY der prägenden Jugend einer der bedeutendsten österreichischen Politiker des 20. Jahrhunderts. Der Film erzählt von Bruno Kreiskys frühen Jahren zwischen bürgerlicher Herkunft und politischem Aufbruch und zeichnet mit einer prominenten Besetzung ein vielschichtiges Porträt eines jungen Mannes, der sich mutig dem wachsenden Faschismus entgegenstellt.
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Die Zahl und die Diversität der Vögel gehen weltweit dramatisch zurück. Gleichzeitig entdecken immer mehr Menschen die Welt der Vögel für sich: Sie alle haben eine ganz eigene Geschichte, die sie zu Birdwatchern gemacht hat. Der Blick durchs Fernglas ist dabei auch eine Suche nach etwas Ursprünglichem, Einzigartigem, Wahrem. Auf fast magische Weise scheint sich diese Suche auf den Zuschauer zu übertragen, als ginge man mit geschärften Sinnen aus dem Kino in eine andere Welt. Unser Film wendet den Blick von den Vögeln zurück auf die Menschen, die uns mit ihrer Liebe zu den Vögeln und ihrer Hingabe zur Natur begeistern. So begegnen wir auch dem weltberühmten Autor Jonathan Franzen, der sagt: „Ein Grund, warum Wildvögel so wichtig sind (…) ist der, dass sie unsere letzte, beste Verbindung zu einer natürlichen Welt darstellen, die ansonsten im Schwinden begriffen ist.“ Umweltpolitisch brisant, ernst, aber auch humorvoll, zeichnet der Film in cineastischen Bildern und intensiven Soundwelten das Bild einer Gesellschaft in einer großen Krisen- und Umbruchsituation. Der Film wird zur Erzählung von Zweifel und Hoffnung, Leben und Tod, vom Bleiben und Verschwinden. Und die Vögel werden auf eine berauschende, fast unheimliche Art zur Metapher für den Zustand der Welt.
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„Heart of Light - eleven songs for Fiji“ erzählt eine Geschichte von Fidschi und seinen Menschen, der Natur und dem alltäglichen Leben. Cynthia Beatt verknüpft die Rückkehr Ionas (Tilda Swinton) auf die Inseln ihrer Kindheit mit der Gegenwart des Landes. Eine kontemplative, immersive und doch lebendige Reise durch das Fidschi-Archipel. Die Kamera begleitet Fidschianer*innen bei der Arbeit in der Stadt und auf ihren Plantagen, zeigt Wander*innen in der bergigen Landschaft, die tropischen Wälder sowie die Strände und Häfen der Inseln. Diese beeindruckenden Landschaften sind aber auch Schauplätze des alltäglichen Lebens und seiner Praktiken. Sei es der Fischfang, die Ernte der Kava-Pflanze und das zeremonielle Trinken des daraus gewonnenen Getränks oder das Weben der traditionellen Kuta-Matten. „Heart of Light“ ist ein Film über das Leben auf Fidschi und den Geist, der die Inseln umweht. Dabei verbindet der Film fiktive und dokumentarische Elemente. Drei europäische Reisende treffen auf die Menschen Fidschis. Simon reißt durch Fidschi und sammelt Klänge, die er als Instrumente für seine musikalischen Arbeiten und Klanglandschaften nutzt. Niels ist ein deutscher Autor auf Recherchereise. Nach langjähriger Abwesenheit kehrt Iona (Tilda Swinton) zurück nach Fidschi, dem Land ihrer Kindheit, in dem sie aber dennoch eine Außenstehende ist. Zwischen diesen Gegensätzen von Dazugehörigkeit und Fremdsein sucht sie nach Klarheit. „Heart of Light – eleven songs for Fiji“ ist ein Film über Begegnungen, den zwischenmenschlichen Austausch, Immersion und ständiges Lernen.
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Zwei jugendliche Geflüchtete suchen in Deutschland ihren Platz in einer Gesellschaft, die sie nicht mitdenkt – zwischen Asylverfahren, Identitätssuche und dem Wunsch nach Normalität. Majd und Shahfaisal leben in einer Wohngruppe für unbegleitete minderjährige Geflüchtete in Deutschland. Dort beginnen sie, sich selbst zu entdecken – als Teenager mit Träumen und Ängsten. Doch ihre Lebensrealität ist geprägt von drohender Abschiebung, familiärem Druck und gesellschaftlicher Ablehnung. Der Film begleitet die beiden durch ihren Alltag, der zwischen Hoffnung und existenzieller Unsicherheit oszilliert. Regisseur Marvin Menné beleuchtet eindrucksvoll, was nach der Flucht passiert und eröffnet einen empathischen Blick auf eine Lebensphase, die viele in Politik und Öffentlichkeit übersehen: das Erwachsenwerden im Ausnahmezustand.
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Durchdrungen von hinreißender Melodik und feinsinnigem Witz, zählt Mozarts Komödie über die Unbeständigkeit junger Liebe zu seinen erhabensten Schöpfungen. Phelim McDermotts farbenprächtige, fantasievolle Inszenierung verlegt das turbulente Geschehen in einen Vergnügungspark der 1950er Jahre, in dem die Liebenden auf eine ebenso emotionale wie rasante Achterbahnfahrt geraten.
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THE SOCIAL RECKONING schlägt das nächste Kapitel zum Erfolgsfilm „The Social Network“ auf: Basierend auf einem Originaldrehbuch von Aaron Sorkin stehen diesmal die Ereignisse im Mittelpunkt, die zu der schockierenden Enthüllungsgeschichte „The Facebook Files“ im Wall Street Journal führten. Der Film ist inspiriert von der wahren Geschichte, in der sich die junge Facebook-Ingenieurin Frances Haugen (Mikey Madison) an Jeff Horwitz (Jeremy Allen White) wendet, einen Reporter des Wall Street Journal. Sie begeben sich auf eine gefährliche Reise, die schließlich dazu führt, dass die bestgehüteten Geheimnisse des sozialen Netzwerks aufgedeckt werden.
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MIRA, die Verfilmung der beliebten MIRA-Kinderbuchreihe, erzählt von der zwölfjährigen Mira, für die Freundschaft bisher das Wichtigste war. Doch als ihre beste Freundin Naja plötzlich mehr Zeit mit anderen verbringt und die selbstbewusste Beate in ihr Leben tritt, gerät Miras vertraute Welt durcheinander. Ein Film über Freundschaft, erste Liebe und die Frage, wie man seinen eigenen Weg findet.
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Seit seiner Pensionierung meckert Harry (Joachim Król) nur noch rum, trinkt Weizenbier und pflegt seinen Rittersporn. Findet Lore (Dagmar Manzel). Sie klammert sich an ihren Job als Bibliothekarin, organisiert peinliche Lesungen und verehrt ihre Dichter wie Propheten. Findet Harry. Für ein altes Ehepaar reden die beiden erstaunlich viel – und meinen doch meistens etwas anderes. Als Tochter Julia zum dritten Mal heiraten will, ist der Streit programmiert und doch nur die Spitze des Eisbergs. In vierzig Jahren Ehe sammelt sich einiges an. Unter der Oberfläche brodelt es: unausgesprochene Fragen, alte Eifersucht, der Streit um Harrys Phlegma und um den Sinn eines Hochdruckreinigers. Während Harry seinen Garten hegt, träumt Lore von einem anderen Leben, von Reisen, von Aufbruch. Sie fühlt sich kraftlos und fragt sich immer dringlicher: War das schon alles? Welche Chancen hat sie verpasst? Ist es mit über sechzig zu spät für einen Neuanfang? Harry trinkt sein Bier, raucht, schweigt. Und bemerkt doch ihre Not. Eine kluge Liebesgeschichte über zwei Menschen, die sich nach vierzig Jahren Ehe noch einmal neu begegnen. Bissig, ironisch, sentimental, heiter und zart. Regisseur Andreas Dresen und Drehbuchautorin Laila Stieler setzen ihre erfolgreiche Zusammenarbeit fort: Nach den Publikumserfolgen und vielfach ausgezeichneten Filmen GUNDERMANN, RABIYE KURNAZ GEGEN GEORGE W. BUSH und IN LIEBE, EURE HILDE ist ALTE LIEBE ihre neunte gemeinsame Arbeit. Eine berührende und zugleich heitere Paargeschichte voller Wortwitz, leiser Melancholie und zärtlicher Momente. Basierend auf dem gleichnamigen Bestseller von Elke Heidenreich und Bernd Schroeder, der im August 2026 im Hanser Verlag neu aufgelegt wird, erzählen sie über zwei Menschen, die nach vier Jahrzehnten Jahren Ehe entdecken, dass es für Veränderungen nie zu spät ist.
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MEETING THE BUDDHA entfaltet das außergewöhnliche Leben und das zeitlose Vermächtnis des 16. Karmapa, Rangjung Rigpe Dorje – dem Oberhaupt der tibetischen Karma-Kagyü-Linie. Der Dokumentarfilm nimmt mit auf eine emotionale Reise: Er schildert die unbeschwerten frühen Jahre des Meisters in Tibet, die Bewahrung seiner jahrhundertealten Linie im indischen Exil und sein Ziel, die Weisheit des Ostens für die westliche Welt zugänglich zu machen. Der Wendepunkt war das Jahr 1969, als der wilde, unangepasste Hippie aus Dänemark Ole Nydahl und seine Frau Hannah im Himalaya auf den 16. Karmapa trafen. Schon als kleines Kind hatte Ole den Wunsch verkündet, einmal der „dänische Meister des Geistes“ zu werden. Diese tief gehende Begegnung verändert das Leben von Ole und Hannah radikal. Aus dieser engen Schüler-Lehrer-Verbindung entstand die Grundlage für ihre zukünftige Arbeit: Dem Wunsch ihres Lehrers folgend, reisen Lama Ole und Hannah fortan rund um die Welt. Sie haben über Jahrzehnte hinweg weltweit tausende Menschen berührt, den Buddhismus zu praktizieren, und im Namen von Karmapa weltweit Meditationszentren gegründet. So bleibt diese uralte Übertragung bis heute lebendig. Der Film, der bereits mit internationalen Preisen ausgezeichnet wurde, lädt das Publikum dazu ein, eine außergewöhnliche und tiefgründige spirituelle Botschaft auf der großen Leinwand zu erleben. Die Regisseurin Marta György-Kessler hat den Film gemeinsam mit einem Team um die Co-Produzenten Adam Penny und Julianne Ferenczy realisiert. Sie ist selbst praktizierende Buddhistin und jahrelang mit Lama Ole Nydahl weltweit gereist. Die Filmemacherin wertete auch privates Film- und Fotomaterial aus und bereiste mit ihrem Team zahlreiche Länder, in denen Lama Ole Nydahl tätig war, um dort zu drehen.
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Nachdem sämtliche Verstärkungskräfte abgezogen wurden, um Waldbrände einzudämmen, und die Kommunikation vollständig zusammengebrochen ist, kämpfen der Leiter des Polizeipostens von Hope, Bum-seok, und die Polizistin Sung-ae darum, ein Dorf voller älterer Menschen zu schützen. Währenddessen brechen Sung-ki und weitere Menschen aus dem Dorf in die umliegenden Berge auf, um eine mysteriöse Bestie aufzuspüren – doch schon bald werden sie selbst zur Beute. Was aus Unwissenheit beginnt, setzt eine Katastrophe in Gang, die sich durch menschliche Konflikte zu einer Tragödie kosmischen Ausmaßes entwickelt.
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Drogeninduzierte, chronifizierte, schizo-affektive Psychose des manischen Formenkreises, Typ polytox, kein morphin Typ – das ist die Diagnose meines Vaters. Übersetzt bedeutet das, dass er immer wieder denselben Kreislauf durchlebt: er verfällt in drogen-induzierte Psychosen, wird in Psychiatrien ausgenüchtert und versinkt danach in depressiver Scham. Während dieser Psychosen ist er unberechenbar und lebt seine Gewalt offen aus, gegen die Menschen in seinem Umfeld. Für mich ist er jedoch nicht nur ein Täter, dessen Taten ich zutiefst verurteile, sondern auch ein Mensch, den ich liebe und ein Künstler, den ich bewundere. Seine Psychosen und Innenwelten hat er in Fotografien, Malereien und Skulpturen verewigt und dokumentiert. Auch unsere Beziehung wird in Kunst festgehalten, in einem gemeinsamen Comicbuch, dessen Seiten wir abwechselnd mit Zeichnungen füllen. Er kämpft gegen sich selbst, seine Krankheit und gegen das System. Und ich an seiner Seite. Der mehrfache Publikumspreisgewinner EINE KRANKHEIT WIE EIN GEDICHT ist ein vor kreativen Einfällen sprudelnder Film voller Wärme und Humor über umgekehrte Eltern-Kind-Rollen, die Poesie im Chaos und das Durchdringen einer Krankheit.
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Mehmet verkauft Falafel, Martina betreibt einen Kiosk und Stefan repariert Autos. Und jedes Wochenende strömen junge Menschen in die Clubs, die Juri, Daniel, Ute und andere unter der Sternbrücke betreiben – einer über hundert Jahre alten Eisenbahnbrücke mitten im Hamburger Schanzenviertel. Doch ihre Zeit hier läuft ab: Die Brücke soll abgerissen und neu gebaut werden. Was folgt, bewegt ein ganzes Viertel. Denn die Pläne werfen Fragen auf, die aus Städten weltweit bekannt sind: Wer gestaltet die Stadt? Ist noch Platz darin für Subkultur und für bezahlbares Leben? Und ganz persönlich: Wie hält man durch, wenn man weiß, dass sich alles verändern wird – aber nicht weiß wann? Die Protagonist*innen begegnen dieser Ungewissheit auf ihre eigene Weise. Manche suchen das Gespräch, manche nehmen still Abschied von einem Ort, den sie liebgewonnen haben. Und manche kämpfen – unermüdlich und laut auf der Straße.
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Queer Cinema-Pionierin Barbara Hammer (1939–2019) fing mit 27 an, Filme zu machen und hatte mit Anfang 30 ihr lesbisches Coming-out: „My life has been lived in film.“ Die schiere Fülle an Filmmaterial ihres Lebens ist auch der Stoff von Barbara Forever, Brydie O'Connors Langfilmdebüt, dem die Mammutaufgabe gelingt, der schillernd-charismatischen Persönlichkeit gerecht zu werden: Vorreiterin lesbisch-queerer Selbstrepräsentation „in a world where we are invisible“, verführerische Liebhaberin, experimentier- wie risikofreudige Filmemacherin. Über allem: der Lebenshunger. Entlang ihrer Filme, darunter Dyketactics (1974), Audience (1982) und Nitrate Kisses (1992), erstmalig zu sehendem Archivmaterial, Barbaras Erzählstimme und mit Lebenspartnerin Florrie Burke als weiterem Zentrum wird Lebenszeitlichkeit selbst gequeert: viel Sex und Intimität, die Theorie des cinema of touch, der Wunsch nach künstlerischer Anerkennung, die Beziehung zur Mutter in der Immigranten-Familie und die Mission, weiterzugeben und zu teilen, was Film vermag, nicht zuletzt angesichts ihrer Krankheit und ihres Sterbens. Fans, Neu- und Wiedereinsteiger*innen gleichermaßen: Lasst euch von der Dyke-Poesie berühren! (Gaby Babic) Barbara Forever feierte beim Sundance Film Festival Weltpremiere und wurde dort mit dem Jonathan Oppenheim Preis für den besten Schnitt ausgezeichnet. Die internationale Premiere folgte im Berlinale Forum, wo der Film den Teddy Award für den Bester Dokumentarfilm gewann.
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Als Vitaly (22) seine Mutter und Schwester in der Ukraine zurücklässt, träumt er von einem neuen Leben als Student in München. Am 24.02.20222 platzt dieser Traum. Innerhalb von einer Nacht stehen plötzlich zwei harte Realitäten vor seiner Tür: die politische Weltlage und die eigene Familie.
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Der Dokumentarfilm von Florian Mebes begleitet über fast zehn Jahre zwei Männer, die das unvorstellbare Schicksal verbindet, ihre Kinder im israelisch-palästinensischen Konflikt verloren zu haben. Als Aktivisten der Organisation „The Parents Circle“ kämpfen Rami und Bassam unermüdlich für Verständigung und reisen um die Welt, um ihre Botschaft des Friedens zu verbreiten. Doch der Film blickt auch hinter die Kulissen und zeigt, wie ihr Friedensengagement im eigenen Zuhause auf die Probe gestellt wird, als ihre heranwachsenden Söhne beginnen, politisch radikalere Wege einzuschlagen. Entstanden kurz vor den tragischen Ereignissen des 7. Oktobers, ist die Dokumentation ein hochaktuelles und intimes Zeugnis über die heilende Kraft des Zuhörens.
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