Filmstarts im Gloria Palast

Der Film gewährt einen unmittelbaren Zugang zur Arbeit des Ensemble Modern und begleitet die Musiker:innen nicht nur auf der Bühne, sondern vor allem in den Proben – dorthin, wo Musik entsteht. In konzentrierten Arbeitsprozessen wird hörbar, wie sich eine gemeinsame musikalische Sprache formt: durch Suchen, Verwerfen und erneutes Annähern. Im Zentrum stehen Werke prägender Komponist:innen wie Rebecca Saunders, Heiner Goebbels und Mark Andre ebenso wie Positionen einer jüngeren Generation wie Brigitta Muntendorf und Milica Djordjevic. Der Film macht diesen Prozess sichtbar und erfahrbar und eröffnet zugleich einen Einblick in die künstlerischen Fragestellungen, die zeitgenössische Musik heute prägen. Dabei entsteht das Bild eines Ensembles als lebendiger Organismus – getragen von individueller Handschrift, kollektiver Präzision und kontinuierlicher Zusammenarbeit mit Dirigent:innen wie Ingo Metzmacher und Enno Poppe. Jährlich erarbeitet das Ensemble Modern rund 70 Werke und bewegt sich damit stetig an der Grenze des Hörbaren. ENSEMBLE MODERN – WHY WE PLAY zeigt Musik nicht nur als Aufführung, sondern als Prozess – und als gemeinsame Suche nach Ausdruck in unserer Zeit.
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Am Tag der Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele vibriert Paris vor Energie. Mitten in diesem Ausnahmezustand kämpft Elisabeth um ihr inneres Gleichgewicht. Die hörgeschädigte junge Frau arbeitet für eine Appartementvermittlung und hetzt zwischen Ferienwohnungen, gestressten Gästen und den Erwartungen ihres Arbeitgebers umher. Als sie dabei dem unbeschwerten Amerikaner Elijah begegnet, entsteht zwischen der in sich gekehrten jungen Frau und dem quirligen Rucksacktouristen inmitten des urbanen Trubels eine unerwartete Freundschaft. SOUNDS OF PARIS von Laurent Slama ist ein poetisches Stadtporträt zwischen dokumentarischer Beobachtung und modernem Märchen – eine zarte Ode an Freundschaft, Zufall und die Möglichkeit eines Neuanfangs, getragen von Agathe Rousselle (TITANE) und Alex Lawther (THE END OF THE F*** WORLD).
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Als Kronprinz von Erich Honecker machte Egon Krenz SED-Karriere, am Ende war er Staatschef der DDR. Doch er führte das Land nur 50 Tage, nach der Wiedervereinigung wurde er wegen seiner Mitverantwortung für die Mauertoten zu sechseinhalb Jahren Haft verurteilt. Seit seiner Entlassung 2003 lebt er in Dierhagen an der Ostsee. Funktionär, Aufsteiger, Apparatschik, Bonze, Hassfigur, Totschläger, Häftling, Vater und Großvater – wer ist Egon Krenz am Ende seines Lebens? In „Kommunist“ zeichnet Regisseur Lutz Pehnert („Bettina“) den Aufstieg und Fall des Mannes nach und beleuchtet seine politischen Entscheidungen im Kontext des Kalten Krieges. Gleichzeitig blickt der Film mit neuer Perspektive auf den Niedergang der DDR und auf die Wege der Menschen, die in diesem System aufwuchsen.
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Seit seiner Kindheit gehört Matteo (Radoslav Gavlas) einer mächtigen Geheimgesellschaft an und verkehrt mit mächtigen und nahezu unantastbaren Persönlichkeiten verschiedenster Institutionen. An der Spitze der einflussreichen Gesellschaft steht der Meister (Pawel Lawrynovicz), ein überaus geschickter Manipulator. Nach seinem Initiationsritual wird Matteo befördert und mit der Kontaktaufnahme zu Vater Vitus (Heino Ferch) beauftragt, der für die Geheimgesellschaft enorm wichtig ist. Matteo wird dann aber Zeuge entsetzlicher Machenschaften und beginnt, auch durch Gespräche mit Anna (Anna Ctvrtnickova), der Sache auf den Grund zu gehen. Annas Vater Juraj (Féodor Atkine) ist – wie Vater Vitus – Mitglied eines geheimen Ordens innerhalb der Kirche; die Gesellschaft des Meisters ist ihr Feind. Aber ist sie das wirklich? Der Kampf des Vaters Vitus zwischen seinem Streben nach Macht und seinen moralischen Werten gibt dem Meister die Chance, die Kirche auf verschiedenen Ebenen zu infiltrieren. Es scheint, dass Juraj in diesem Kampf auf sich allein gestellt ist. Während seines Studiums in Bologna trifft Matteo einen Universitätsprofessor (Pavel Kriz), der ihm die Funktionsweise von Sekten und anderen Gesellschaften erklärt, und Matteo beginnt zu begreifen, dass er Teil einer fanatischen Gesellschaft ist. Überraschenderweise ist es Juraj, der Matteo überredet, sein Wissen über die mächtige Gesellschaft dem investigativen Journalisten Ivan (Arnaud Binard) preiszugeben. Dies führt zu einer bedrohlichen Kette unvorhersehbarer Ereignisse und selbst die einflussreichen Akteure ahnen nicht, dass das Spiel viel weitreichender ist, als es zunächst scheint.
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Ein gewöhnlicher Arbeitstag auf einer Baustelle. Thomas, ein 40-jähriger Kranführer, erhält einen Anruf von seiner Frau, die ihn bittet, sie vom Krankenhaus abzuholen. Er trifft sie weinend an. Nach MUSIC gelingt Angela Schanelec ein so direkter wie poetischer Film, der sich auf unterschiedlichen Ebenen mit Sprache auseinandersetzt. Eine Momentaufnahme des Lebens in der Großstadt voller Schönheit und Trauer. Der Film feierte seine Premiere im Wettbewerb der 76. Berlinale.
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Alec (Caolán O’Gorman), ein sanftmütiger und introvertierter Teenager, hat das Leben stets durch die Brille der Pornofilmproduktion betrachtet, die er gemeinsam mit seinem Vater Dylan (Andrew Howard) von zu Hause aus betreibt. Er dreht und schneidet die Filme, in denen sein Vater die Hauptrolle spielt. Als die beiden aufgrund ihrer prekären finanziellen Lage von London in eine verschlafene Küstenstadt ziehen, hofft Alec auf einen Neuanfang und versucht, Freunde zu finden, ohne seinen unkonventionellen Lebensalltag preiszugeben. Alles ändert sich, als er bei einem Schulprojekt die unabhängige Nina (Safiya Benaddi) kennenlernt, die ihm einen neuen Blickwinkel auf die Welt vermittelt. Je enger das Band zwischen ihnen wird, desto mehr erfährt Alec eine Nähe und Verletzlichkeit, die es vor der Kamera nicht gibt – und begreift allmählich, was es eigentlich bedeutet, wirklich nackt zu sein und gesehen zu werden. Was mit einer schulischen Projektarbeit beginnt, entwickelt sich zu einer zarten und herzerwärmenden Erzählung über die Entdeckung echter Intimität in einer Zeit der ubiquitären Verfügbarkeit pornografischer Bilder. Das mutige Langfilmdebüt der in den Niederlanden aufgewachsenen Regisseurin und Drehbuchautorin Muriel d’Ansembourg feierte seine Premiere auf der 76. Berlinale in der Sektion Perspectives. Die beiden Newcomer Caolán O’Gorman und Safiya Benaddi liefern beachtliche Darbietungen an der Seite von Andrew Howard („Tenet“) als Dylan und Erotikdarstellerin Alessa Savage als dessen Drehpartnerin Lizzie.
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Chase will seine Freundin Macy bei einer Wanderung mit einem Heiratsantrag überraschen. Das Glück scheint perfekt, doch die beiden betreten auf ihrem Weg versehentlich das Revier von Dolly, einem zentnerschweren, maskierten Monstrum, das gerne mit Puppen spielt – am liebsten mit menschlichen. Nach einer blutigen Konfrontation wird Macy von Dolly in ihr abgelegenes Haus verschleppt. Dort wartet ein Alptraum aus Schmerzen und Demütigungen auf sie, denn aus Dollys Puppenhaus kam noch niemand lebend wieder heraus. Was als romantischer Ausflug begann, wird zum gnadenlosen Kampf ums Überleben. Regisseur Rod Blackhurst (Emmy-nominiert für den Netflix-Dokumentarfilm „Amanda Knox") liefert mit DOLLY eine Liebeserklärung an das Grindhouse-Kino der 70er und den modernen Folk-Horror ab. Dabei vereint er einen grobkörnigen 16mm-Look, aufwendige praktische Effekte und kompromisslose Brutalität. Die titelgebende Hauptfigur der Dolly wird von der 1,80 m großen Profi-Wrestlerin Max The Impaler verkörpert. Fabianne Therese („Southbound“) ist als „Final Girl“ Macy zu sehen und Seann William Scott – bekannt als „Stifler" aus „American Pie" – überrascht in einer Rolle, die echte Leidensfähigkeit beweist. DOLLY feierte seine Weltpremiere beim Fantastic Fest und wurde auf zahlreichen Genre-Festivals weltweit gefeiert – darunter Sitges, FrightFest und Screamfest LA. Das Morbido Film Festival zeichnete ihn mit dem Publikumspreis aus.
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Wie kann Azza als saudische Frau ihre Unabhängigkeit gewinnen? Die Protagonistin des Films, würde antworten: mit Geschick. Mit 16 verheiratet und heute Mutter von vier Teenagern, träumt sie von der Befreiung aus einer gescheiterten Ehe. Aus ihrer Familie ausgeschlossen und auf sich selbst gestellt, bemüht sie sich, ihre finanzielle Unabhängigkeit zu bewahren, indem sie als Fahrlehrerin für Frauen arbeitet. Hinter dem Steuer eines großen SUVs fühlt sie sich selbstbewusst und meistert – genau wie auf der Straße – die Hindernisse des Lebens: mangelnde Bildung, unsichere Arbeitsverhältnisse, Ausgrenzung durch die Familie und die Trennung von ihren Kindern. Sie tut alles, um sicherzustellen, dass ihre Töchter nicht das durchmachen müssen, was sie selbst erlebt hat. Sie träumt von einer Reise durch die Wüste. Dieses Abenteuer wird zu einer Möglichkeit, sowohl ihr Land als auch sich selbst zu entdecken. Das Autofahren erweist sich als Mittel zur Freiheit – genau wie für viele andere Frauen. Der über drei Jahre gedrehte Film bietet einen intimen Einblick in Azzas Leben, ihre Heimat und eine Gesellschaft am Rande des Wandels, die zwischen Tradition und Moderne schwebt.
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FLUSS vollendet die Trilogie „Stadt, Land, Fluss“. Der Film folgt der Elbe von der Quelle im Riesengebirge bis zur Mündung in die Nordsee – einer Reise durch Landschaften, Geschichte und Gegenwart. Statt Postkartenansichten zeigt er Orte, die man sonst nicht sieht: Steinbrüche, Stahlwerke, Forschungsschiffe, Containerriesen, militärische Übungen. Archivbilder öffnen Resonanzräume, in denen Vergangenheit und Gegenwart ineinandergreifen.
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Weil sich Pauls Eltern oft streiten und sein Vater gewalttätig ist, wird er von seiner Mutter für eine Weile in die kleine Stadt seines Onkels gebracht. Dort freundet er sich bald mit der von Jasper angeführten Jungengruppe. an. Sie trinken, boxen sich und schikanieren einen behinderten Mann, den sie wegen seines Aussehens „Fränk“ für Frankenstein nennen. Um sich in der Gruppe zu beweisen, provoziert Paul immer extremer, wodurch viele in Gefahr geraten. Während er Fränk vor dessen Gruppe demütigt, entsteht zwischen den beiden eine Freundschaft. Als Jasper dies eines Abends entdeckt, ist Pauls Platz in der Gruppe gefährdet und er deckt auf, dass Jasper heimlich Liebesbriefe an die viele Jahre ältere Kassiererin schreibt. Die Situation eskaliert und am Ende hilft Pauls Freundschaft zu Fränk ihm, das Blatt zu wenden und sich gegen die Gewalt in der Kleinstadt einzusetzen. Die Gewalt in der eigenen Familie ist jedoch eine andere Sache …
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Als die kleine Amélie geboren wird, befindet sie sich in einer Art vegetativen Zustand: Sie schwebt wie in einer Blase, kein Geschrei, keine körperlichen Reaktionen, nur neugierige grüne Augen, die alles aufsaugen. Für die in Japan lebende belgische Familie ist das aber kein Grund zur Sorge, sie sind optimistisch und vergöttern ihre kleine Tochter. Doch an ihrem zweiten Geburtstag bringt ein Erdbeben Amélies Blase zum Platzen und sie wird hineingeworfen in eine Welt, die ganz anders ist, als sie es sich vorgestellt hat. Erst ein Stück feinster belgischer Schokolade schafft es, die Überreizung ihrer Sinne zu beruhigen und ihre kindliche Neugier auf das Leben zurückkehren zu lassen. Voller Lebensfreude entdeckt Amélie an der Seite von Nishio-san, der Haushälterin ihrer Familie, die Wunder der Natur und die emotionalen Facetten, die sich hinter dem scheinbar idyllischen Familienleben verbergen. Basierend auf dem autobiografischen Roman von Amélie Nothomb „Metaphysik der Röhren“ (Original: „Métaphysique des tubes“) erzählt der Oscar®-nominierte Animationsfilm DIE KLEINE AMÉLIE ODER DER CHARAKTER DES REGENS eine feinfühlige, ergreifende und visuell atemberaubende Geschichte über die heilende Kraft zwischenmenschlicher Beziehungen für die ganze Familie. Der außergewöhnliche Animationsstil der Filmschaffenden Mailys Vallade und Liane-Cho Han macht diesen Film zu einem besonderen Highlight. Die französisch-belgische Produktion lief international auf diversen Festivals und wurde mit zahlreichen Nominierungen wie u.a. bei den Academy Awards, Golden Globes, BAFTAs und European Film Awards bedacht.
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Eines Nachts schlägt ein Meteor im Zoo von Colepepper ein und setzt ein Virus frei, das die harmlosen Zoobewohner in grüne, schleimige und gefräßige Monster verwandelt! Die clevere junge Wölfin Gracie schließt sich mit dem notorisch schlecht gelaunten Berglöwen Dan zusammen, und gemeinsam führen sie das ungewöhnliche Team der verbliebenen Tiere an: Xavier, der filmbegeisterte Lemur, Frida, das temperamentvolle Capybara, Ash, der sarkastische Strauß und Felix, der egoistische Affe. Die ungleiche Truppe muss einen Plan schmieden, um alle Zootiere wieder in die normale Welt zurückzubringen und begibt sich auf die gefährliche Mission, dem Virus zu entkommen, ihren Zoo zu retten und den völlig verrückten Bunny Zero davon abzuhalten, das Virus über den Zoo hinaus zu verbreiten. Das ist nur leider alles andere als einfach…
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Der Lebensweg von Matt Vasseur steht ganz im Zeichen des Erfolgs! Der einstige Schulabbrecher steht heute als Coach auf der Bühne und propagiert vor tausenden von Menschen Selbstliebe und Selbstvertrauen. Riesigen Menschenmengen hängen an seinen Lippen, feiern ihn wie einen Erlöser und wollen seinem Vorbild folgen – auf der Suche nach Liebe, Erfolg und Glück. Doch als sich Matt vor einer Regierungskommission unbequemem Fragen zu seinem Geschäfts-Model stellen muss und einer seiner Anhänger ihm gefährlich nahekommt, drohen Matts sorgfältig aufgebautes Business-Imperium und sein gesamtes Leben zu zerbrechen. Unter Beschuss der Kritik stürzt sich Matt in eine verzweifelte Flucht nach vorn, die ihn an die Grenzen des Wahnsinns und vielleicht auch seines Ruhms führen wird. Von den Machern von „Black Box“ stammt dieser packende Psychothriller über einen charismatischen Life Coach, der an die Grenzen von Macht und Manipulation geht. Mit Hauptdarsteller Pierre Niney, der schon in Kino-Erfolgen wie „Der Graf von Monte Christo“, „Frantz“ oder „Yves Saint Laurent“ sein Schauspieltalent unter Beweis stellte, erzählt GURU eine fesselnde Geschichte über Kontrolle, Gier und den gefährlichen Hunger nach Erfolg und Anerkennung.
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Gemeinsam mit ihren drei Kindern und Familienhund „Panda“ führen Anna und Magnús ein unaufgeregtes Leben an der weiten Küste Islands. Magnús, der von allen nur Maggi genannt wird, ist als Hochseefischer oft tagelang auf dem Meer, während Anna auf ihren Durchbruch als Künstlerin hofft. Dazwischen wandern sie mit den Kindern in den Bergen, stechen Fische auf den Seen, laufen Schlittschuh, schießen Bogen, sammeln Heidelbeeren oder beobachten Wildpferde und Wale. Dabei haben sich Anna und Maggi schon vor einer ganzen Weile getrennt. Doch irgendwie schaffen es die beiden nicht, auch ihre Leben voneinander zu trennen. Ist es nur der Kinder wegen oder ist da vielleicht noch eine Form von Liebe, die geblieben ist? Mit THE LOVE THAT REMAINS gelingt dem vielfach preisgekrönten Regisseur Hlynur Pálmason ein Kunststück an verspieltem Minimalismus, das den wundersamen Zauber alltäglicher Momente feiert – und dahinter tiefe Wahrheiten über das Leben findet. Die vielfältige Schönheit der isländischen Natur ist hier nicht bloße Kulisse, sondern auch Spiegel der Figuren, die rau und sanft, warm und kalt, lustig und ernst sein dürfen. Mit gewitztem Einfallsreichtum und in Bildern großer Sinnlichkeit erzählt, ist THE LOVE THAT REMAINS ein Film, der die Seele durchatmen lässt und noch lange im Gedächtnis bleibt.
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Mit dem Tod ihrer Mutter reißt es LORE (25) den Boden unter den Fu¨ßen weg. Während ihr Inneres in einen nie dagewesen Ausnahmezustand fällt, gerät auch die Außenwelt aus den Fugen. Die Corona-Pandemie bricht aus, und ein Nebel aus Isolation und Einsamkeit legt sich u¨ber die rheinische Kleinstadt, in der die Menschen zu empathielosen Einzelkämpfern verkommen. Lore verliert den Glauben an das Miteinander. Inmitten dessen archiviert sie das Leben ihrer Mutter fu¨r immer und ringt nach Kräften, um einen Weg der gemeinsamen Verabschiedung zu finden. Dabei muss sie sich den unterschiedlichen Formen des Trauerns innerhalb der Familie und den wie Automatismen auf sie einprasselnden Konventionen stellen. Die Tage und Wochen verstreichen, und es scheint, dass Lore in einer absurden Symbiose mit der pandemischen Ausnahmesituation zu leben beginnt. Mit der Auflösung der Mietwohnung, in der sie noch ein letztes Mal unterkommt, wird ihr bewusst, dass sie nie mehr in das Zuhause ihrer Kindheit zurückkehren kann. In einem letzten Kraftakt schafft sie es, allen Widrigkeiten zum Trotz, eine Verabschiedungsfeier zu organisieren. Dass diese im Schlafzimmer ihrer Mutter stattfindet, erscheint am Ende als fast logische Konsequenz von sechs Wochen Ausnahmezustand. Sechs Wochen, in denen Lore lernt, ihre Trauer zuzulassen, um nicht von ihr aufgefressen zu werden. Dass die Endlichkeit des Lebens geplant werden muss und dass es keine Antwort auf die Frage gibt: Wie trauert man richtig.
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Barberie Bichette (Agnès Jaoui), die man zu ihrem Leidwesen Barbie nennt, mag schön gewesen sein, eine gute Mutter, eine verlässliche Kollegin, eine großartige Liebhaberin, ja, vielleicht... aber das war, bevor sie unausweichlich 55 wurde (also fast 60 und bald noch älter!) Jetzt erscheint ihr das Leben finster, heftig und absurd. Es macht ihr Angst. Aber wie soll sie etwas ändern, wenn sie immer noch nicht weiß, wer sie ist und was sie will?
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Ramona und Nico sind frisch aus der Schule und lassen sich vom Berliner Sommer treiben. Nach einem Streich müssen sie fliehen – widerwillig in eine politisch aufgeladene Welt. Auf der Suche nach einem freigelassenen Vogel und dem kleinen Bruder ringen sie um ihre Freundinnenschaft, den Glauben an sich selbst und stolpern unerwartet in andere hoffnungsgebende Lebensgeschichten. Der Film zeigt junge Menschen, die zwischen Freiheitsdrang und gesellschaftlichem Verantwortungsdruck navigieren lernen. In einer Welt voller Ungewissheiten – geprägt von Klimakrise und wachsender Resignation – wird ihre Sehnsucht nach Leichtigkeit spürbar.
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Ba¨rbel Bohley war eine ostdeutsche Ku¨nstlerin und Bu¨rgerrechtlerin. Sie wurde 1988 als Oppositionelle in der DDR verhaftet und zwangsweise in den Westen abge­schoben. U¨ber die Zeit in Westdeutschland und ihre Reisen nach England, Frankreich und Italien, sowie ihre Begegnungen mit westeuropäischen Intellektuellen und Politikernund Politikerinnen fu¨hrte sie ein Tagebuch als Zeugnis ihres ungebrochenen Widerstands. Nach 6 Monaten erka¨mpfte sie ihre Ru¨ckkehr in die DDR – ein einmaliger Vorgang. Sie wurde Mitbegru¨nderin der Bu¨rger­rechtsbewegung ‚Neues Forum‘ und das prominente Gesicht der friedlichen Revolution 1989. Sie verstarb 2010 an Krebs. Die kurze intensive Phase radikaler Vera¨nderung 1988–89 in der DDR steht im Fokus des Films. Parallel zu den Stationen des Tagebuchs, denen die Filmerzählung folgt, schildern enge Freunde und Mitstreiterinnen ihre eigenen Erfahrungen mit der Staatssicherheit, den perfiden Unterdru¨ckungsmaßnahmen und den Haftbedingungen im Gefa¨ngnis Berlin­ Hohenscho¨nhausen. Auch die Frage, ob politische Ha¨ftlinge in den Gefa¨ngnissen mo¨glicherwei­se radioaktiv verstrahlt wurden, wirft ein neues Licht auf das Regime der DDR. Zudem ergänzen die Protagonisten und Protagonistinnen die eigenen Aussagen Bohleys durch ihre Perspektive auf ihre Ausbürgerung und ihre Biografie.
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Die Zukunft ist da und verspricht eine schöne, neue Welt: Fremdsprachen lassen sich in Sekundenschnelle lernen, Fachwissen einfach uploaden und virtuelle Rauscherlebnisse eröffnen neue Horizonte. Möglich machen das Anschlüsse am Kopf, über die sich menschliche Gehirne direkt mit Computern und sogar anderen Gehirnen verbinden lassen. Eine anarchistische Hacker-Truppe probiert das alles lustvoll aus – nur die kritische Mona (Naemi Florez) ist strikt gegen die neue Technologie. Doch als ihr Freund Milo (Jannik Schümann) in ein neurotechnisches Koma fällt, hat nur Mona den Mut, sich Brainbugs oder Mental Malware auszusetzen. Denn um Milo zu retten, muss sie selbst in seinen Kopf reisen. Welchen Preis sind wir bereit, für die Zukunft zu zahlen? Und wenn Mensch und Technik eins werden – wer hat dann die Kontrolle? In „Cyberpunk Romance“ erzählt Regisseur Joscha Douma von einem technisierten Kontrollverlust, dessen erste Anzeichen sich heute schon in unserer Welt manifestieren. Ein ungebremst leidenschaftlicher Film in flackerndem Neonlicht, der in einer Welt von Big-Tech-Unternehmen, Deep-Brain-Stimulation und künstlicher Intelligenz die letzten Reste der Menschlichkeit sucht.
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Ein vom Leben gezeichneter Einzelgänger, der nach einem Leben voller Verbrechen und Mord mit seiner Vergangenheit ringt, wird schwer verletzt von einer mysteriösen Frau gefunden, die ihm eine Chance auf Erlösung bietet. Es sind die letzten Tage des gesetzlosen Robin Hood.
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Griechenland in einer nicht all zu fernen Zukunft: Ressourcenknappheit hat das Land ins Chaos gestürzt. In den verbliebenen Städten streiten sich rivalisierende Banden um Wasser, Treibstoff und Frauen. Die junge Maria wächst in dieser von Männern dominierten Welt auf und kämpft um Anerkennung und ums Überleben. Sie sieht keinen Ausweg aus der Spirale der Gewalt, zumal sie von Bandenchef Nikos gegen den Willen seiner Handlanger zu seiner Nachfolgerin auserkoren wurde. Als die mysteriöse Sängerin Eleni in Marias Leben tritt, eröffnet sich ihr eine Alternative: Gemeinsam mit Eleni stellt sie sich dem patriarchalen System entgegen und versucht, sich im Namen aller Unterdrückten eine bessere Welt zu erstreiten. Mit ihrem Spielfilmdebüt GORGONÀ zieht die griechische Filmemacherin eine Parallele zwischen veralteten Machtstrukturen und der allgegenwärtigen Umweltzerstörung. In einer an George Millers MAD MAX erinnernden Dystopie erzählt sie von der befreienden Kraft weiblicher Solidarität.
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Als eine syrische Ärztin mit ihrer kleinen Tochter aus dem zerstörten Aleppo fliehen muss, setzt eine einzige verzweifelte Entscheidung eine Kette von Ereignissen in Gang, die Ländergrenzen überschreitet und fünf Fremde unaufhaltsam miteinander verbindet. Ein Schleuser, der alles riskiert, um seinen Sohn zu retten. Ein Soldat, der zwischen Befehl und Gewissen steht. Ein Dichter auf der Suche nach einem Ort, den er Heimat nennen kann. Und ein griechischer Küstenwache-Kapitän, gefangen zwischen Pflicht und Mitgefühl. In einer einzigen Nacht kreuzen sich ihre Wege auf dem Mittelmeer – dort, wo Hoffnung und Angst dicht beieinanderliegen, Überleben zur Frage des Augenblicks wird und sich Menschlichkeit in ihrer rohesten, ehrlichsten Form zeigt.
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Regisseurin Christiane Büchner widmet sich in ERZÄHLUNGEN EINES KINOGEHERS dem WDR-Dokumentarfilmredakteur Werner Dütsch in einem letzten großen Interview. Cinephil, entscheidungsfreudig und neugierig - er wurde zu einem der einflussreichsten Redakteure im deutschen Fernsehen. Der Film ist Teil eines medialen Oral-History-Projekts. Kino war für Dütsch Lebensmittel. Seine Arbeitsbiografie erscheint darin wie ein dichter werdendes Gewebe aus sehr verschiedenen Erkenntnissen über das Kino. Die gedankliche Mitbewegung findet in den skizzenhaften Animationen der Regisseurin ihren Ausdruck.
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Ein Schloss. Ein König. Eine Vision. Wo einst König Ludwig II. von der Verbindung von Architektur und Musik träumte, erklingen heute wieder große Stimmen. Nach langer Stille wird Neuschwanstein neu zum Klangraum. Vor der Kulisse des UNESCO-Weltkulturerbes Schloss Neuschwanstein werden Konzerte mit internationalen Solist:innen – darunter HAUSER – zu einem außergewöhnlichen Erlebnis. „Der Klang von Neuschwanstein“ macht diesen einzigartigen Ort selbst zur Bühne – und seine Geschichte zu einem einzigartigen Kinoerlebnis. „Der Klang von Neuschwanstein“ erzählt die Geschichte eines Ortes, der wie kein anderer für die Verbindung von Kunst, Architektur und Vision steht. König Ludwig II. ließ Schloss Neuschwanstein einst als klingende Bühne für die Musik Richard Wagners errichten – ein Ort, an dem sich seine Sehnsucht nach einer idealen Welt erfüllen sollte. Doch dieser Traum blieb unvollendet. Nach Jahrzehnten der Stille wird Neuschwanstein heute neu entdeckt: als außergewöhnlicher Konzertort unter freiem Himmel. Der Film begleitet die Wiederbelebung der Neuschwanstein Konzerte und führt zugleich zurück zu ihren Ursprüngen – zu König Ludwig II. und seiner Leidenschaft für Musik sowie seiner radikalen Vorstellung von Kunst. In eindrucksvollen Bildern, mit internationalen Solist:innen und Einblicken hinter die Kulissen entsteht ein vielschichtiges Bild: von einem König zwischen Realität und Fantasie, von einem Schloss zwischen Mythos und Gegenwart und von Künstler:innen, die diesen Ort heute neu zum Klingen bringen. So wird Neuschwanstein selbst zur Bühne – und ein jahrhundertealter Traum endlich hörbar.
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Im England des 18. Jahrhunderts folgt Savage House Sir Chauncey Savage (Richard E. Grant), einem Sozialaufsteiger, der verschuldet und großspurig ist. Als er eingeladen wird, Herzog und Herzogin von Devonshire zu empfangen, versuchen Chauncey und seine Frau, Lady Savage (Claire Foy), zu beeindrucken. Während die Vorbereitungen sich zu Duellen, Dekadenz und Blutvergießen ausweiten, gerät ihr Leben außer Kontrolle – eine düstere Komödie über Klasse, Spektakel und die Kunst, wichtig zu wirken.
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Der Anfangzwanziger Andrius, ein Mitarbeiter in einer Druckerei, ist skeptisch gegenüber dem Aktivismus seines Freundes Deividas und sorgt sich um mögliche Bedrohungen durch Neonazis. Deividas leitet Rainbow Kaunas, eine Gruppe, die den ersten Pride in Kaunas, der zweitgrößten Stadt Litauens, organisiert. Eines Nachts, nach einem Streit, kehrt Andrius zurück und findet Deividas ermordet vor. Angesichts der gleichgültigen Reaktionen von Gesellschaft und Polizei nimmt Andrius eine neue Mission auf sich: den Täter selbst zu finden.
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