Filmstarts im Gloria Palast

Kaum hat Kommissar Hubertus Jennerwein (Florian Brückner) seinen Dienst im winterlichen Garmisch-Partenkirchen angetreten, wird die Alpenidylle zum Tatort: Ein dänischer Skispringer stürzt in den Tod, der Präsident des Winterspiele-Komitees entgeht nur knapp einem Anschlag und anonyme Schreiben kündigen weitere Verbrechen an. Zwischen misstrauischen Dorfbewohnern und eitler Lokalpolitik muss Jennerwein einen Täter entlarven, der Aufmerksamkeit sucht und ein tödlich ernstes Spiel spielt.
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In einem Zeitalter der Götter und Könige hängt das Schicksal der Welten am seidenen Faden. Rama, ein Prinz, dessen Leben von Pflicht, Selbstlosigkeit und unerschütterlicher Rechtschaffenheit bestimmt wird, muss sich dem unsterblichen Ravana stellen, getrieben von Stolz und Rache und mächtig genug den Kosmos zu zerstören.
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Nachdem ihr kleiner Bruder von einem Schwarm Krähen entführt worden ist, begibt sich die 12-jährige Prue auf eine abenteuerliche Rettungsmission in die „Undurchdringliche Wildnis“ – einen verzauberten Wald, der sich am Rande von Portland, Oregon, verbirgt. Gemeinsam mit ihrem tollpatschigen Mitschüler Curtis betritt sie eine Welt voller sprechender Tiere, Magie und uralter Mächte. Als die beiden in einen Konflikt geraten, der das Gleichgewicht des Waldes bedroht, entdeckt Prue eine innere Stärke, von der sie niemals geahnt hätte, dass sie in ihr steckt. Wenn sie ihren Bruder retten und das Schicksal von Wildwood verändern will, muss sie alles aufs Spiel setzen. LAIKA, das vielfach Oscar®-nominierte und BAFTA®-prämierte Erfolgsstudio hinter „Coraline“, präsentiert WILDWOOD, ein mitreißendes und bildgewaltiges Stop-Motion-Animationsabenteuer über Liebe, Verlust, Aufopferung und Geheimnisse – und über die Magie, die sich einem offenbart, wenn man bereit ist, sich ihr zu öffnen. Die berührende Geschichte von Prue, die für die Rettung ihres Bruders alles riskiert, basiert auf den gleichnamigen Jugendbuchbestsellern von Colin Meloy.
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Papaya ist ein kleines Samenkorn, das im Amazonas lebt. Wie die Mutter und die Geschwister soll es eines Tages ein großer, bunter Baum werden. Aber Papaya hat gar keine Lust! Sie möchte ausbrechen und mehr von der Welt sehen. Vor allem vom Fliegen ist das kleine Samenkorn begeistert. Als es vom Mutterbaum fällt, soll es eigentlich seine Wurzeln ausschlagen. Für Papaya beginnt stattdessen ein großes Abenteuer. Sie trifft witzige Pflanzen, hilfsbereite Tiere und verkleidet sich für eine Flugprüfung sogar als Marienkäfer. Um nicht doch zum Baum zu werden, muss sie ständig in Bewegung bleiben. Dazu muss man sich schlau anstellen, aber auch ein bisschen Glück haben. Nach einer langen Reise kommt Papaya in der Welt der Menschen an. Hier gibt es Straßen und Fabriken und ganz viel Krach. Außerdem ist es überhaupt nicht mehr so schön bunt wie im Wald. Papaya hat eine Idee, wie man die Welt der Menschen viel besser machen kann. Dazu braucht sie aber die Hilfe von den Vögeln und von den Bienen. Und sie muss den Mut und die Kraft finden, den großen Traum wahr werden zu lassen – auch wenn sie noch ganz klein ist. Ein witziges und wunderschönes Animationsabenteuer, das ohne Dialoge und in kunterbunt leuchtenden Farben von der Rettung der Natur durch ihre Verwirklichung erzählt.
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DOG OF GOD entführt das Publikum in ein livländisches Dorf des 17. Jahrhunderts, in dem Aberglaube, religiöser Fanatismus und uralte Mythen den Alltag bestimmen. Als eine heilige Reliquie verschwindet und Hexereivorwürfe das Dorf erschüttern, erscheint ein geheimnisvoller alter Mann, der sich selbst „Hund Gottes“ nennt und behauptet, als Werwolf gegen den Teufel zu kämpfen. In ausdrucksstarker Rotoskopie-Animation verbindet der Film baltische Folklore, schwarzen Humor, Horror und wahre historische Ereignisse zu einem ungewöhnlichen Kinoerlebnis – wild, bildgewaltig und voller schräger Symbolik.
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Einar Schleef war Theatermacher, Bühnenbildner, Schriftsteller, Fotograf, Maler und Filmemacher. Ein Gesamtkünstler aus der Mitte Deutschlands, der in keinem Deutschland ein Zuhause fand – und deshalb sein genauester Chronist ist. Einar Schleef grub sich mit allen künstlerischen Mitteln in die deutsche Realität hinein, in die Abgründe der deutschen Geschichte, die er in die Gegenwart holte. Schleef hat diese Realität gefühlt, erlitten, geatmet, geschmeckt. Und sie aufgeschrieben, inszeniert, fotografiert, gemalt. Von Schleef lässt sich lernen, wer wir sind, wo wir herkommen, und was heute in diesem Land passiert. Geboren in der ostdeutschen Provinz, aufgewachsen in der Nachkriegs-DDR, erste Theatererfolge in Ostberlin, die auch gleich Skandale sind. Das Überleben in der Diktatur, Flucht. Das Nicht-Ankommen-Können im Westen, Depression, und nach langer Pause zurück an das Westdeutsche Theater, wo Schleef einschlägt wie ein Blitz. Mit jeder Inszenierung sprengt Schleef das deutsche Sprechtheater. Erzählt vom Krieg, der noch stattfindet, von Fremdenhass und der Fremdheit zwischen Ost und West, die sich für Schleef nie aufgelöst hat. „Die Tragödie ist die Welt, wie sie ist“, sagt Schleef. „Die Komödie ist die Erholung davon.“ Schleef konnte sich nicht erholen. Schleefs großes Thema ist das Gefangensein im eigenen Körper, in der eigenen Geschichte. Und der Versuch zu entkommen. Ganz unmittelbar, wenn Schleef, seit der Kindheit mit einer schweren Sprachhemmung ringend, auf der Bühne in freier Rede das Stottern überwindet. In seiner Person und seiner Kunst stecken eine Vision, eine Wut, eine Kraft und ein überraschender Humor, an denen wir uns „hochpumpen können“. So würde Schleef es sagen. Wir sehen, hören, fühlen Schleef, den Körpermenschen, erleben seine Erfolge und sein Scheitern. Ein Stationendrama, das uns mit ihm, seinen Worten, Texten, Inszenierungen, Fotografien und Filmen auf eine Zeitreise nimmt, von seiner Kindheit in Sangerhausen in den 1950er Jahren bis zur Jahrtausendwende im vereinten Deutschland. Von den Anfängen als hochbegabter Jugendlicher bis zu seinem einsamen Tod in einem Berliner Krankenhaus. Schleef muss wiederentdeckt werden. Weil er der Spiegel ist, in dem wir uns hier und heute begreifen. Weil er Worte und Bilder findet für diese besondere deutsche Form der Heimatlosigkeit und Entwurzelung. Weil er uns wachrüttelt und auf das stößt, was brodelt in dieser Gesellschaft.
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Sommer in Südspanien. Iván arbeitet in einer großen Gewächshausanlage und steht kurz vor der langersehnten Beförderung zum Manager, die ihm und seiner Familie ein besseres Leben ermöglichen soll. Doch als die schöne Hadoum als neue Saisonkraft in den Betrieb kommt, erwachen bei Iván alte Gefühle. Er kennt Hadoum noch aus der Schulzeit, vor seiner Transition. Nach einer ersten gemeinsamen Nacht am Strand wird die Beziehung der beiden immer intensiver. Doch Hadoum, die sich wegen ihrer marokkanischen Herkunft schon immer gegen Vorurteile behaupten musste, setzt sich auch engagiert für die Arbeitsrechte im Betrieb ein. Iván muss sich entscheiden, zu wem er stehen und wer er wirklich sein möchte. In IVÁN & HADOUM erzählt Ian de la Rosa von der mitreißenden Liebe zweier Außenseiter*innen, die soziale Grenzen einreißen müssen, um zueinander zu finden. „Eine bewegende, provokante und unvergessliche Geschichte“ lobte auf der Berlinale die Jury des queeren Filmpreises Teddy Award – und zeichnete IVÁN & HADOUM als Besten Spielfilm aus.
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Sophie und Jojo sind seit einem halben Jahr getrennt, doch der Berliner Wohnungsmarkt und die Gewohnheit halten sie in ihrer gemeinsamen Wohnung fest. Das prekäre Gleichgewicht gerät ins Wanken, als Sophies Eltern eine drastische Bedingung stellen: Sie finanzieren das Leben ihrer Tochter nur weiter, wenn das Ex-Paar ein Kind zeugt. Was als absurdes Spiel beginnt, zwingt die beiden, sich mit ihrer gescheiterten Liebe, ihren Lebensentwürfen und der Erwartungshaltung ihrer Umwelt auseinanderzusetzen. Eine moderne Beziehungskomödie über das Loslassen, das Festhalten und die Komplexität moderner Lebensmodelle.
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Die Kindheitsfreundinnen Kasih, Saya und Hani treffen sich in ihrer einstigen Siedlung zur Hochzeit einer gemeinsamen Freundin wieder, als ein Wohnhaus niederbrennt und Saya als Hauptverdächtigte festgenommen wird. Linksextrem? Islamistisch? Es entspinnt sich ein Gewirr aus Erinnerungen, Fragmenten und Widersprüchen, als Kasih einer TV-Reporterin davon berichten soll, wie aus den drei Freundinnen wurde, wer sie heute sind. Hani (Brikena Ray), Kasih und Saya sind seit Kindheitstagen beste Freundinnen. Jahre später treffen sie sich in ihrer einstigen Siedlung wieder. Eine gemeinsame Freundin heiratet. Doch am Abend der Hochzeit brennt ein Mehrfamilienhaus: ein Anschlag mit mehreren Toten und zahlreichen Verletzten. Saya (Manal Raga a Sabit) wird als Hauptverdächtigte verhaftet. Linksextrem? Islamistisch? Die Akte ist dünn, die Fragen der Öffentlichkeit umso lauter. Was ist passiert und wer erzählt es wie? Kasih (Bayan Layla) versucht verzweifelt, ihrer Freundin zu helfen. Für eine TV-Reportage rekonstruiert sie Sayas und ihr gemeinsames Leben und sucht mit einer Journalistin (Meret Becker) den roten Faden in Erinnerungen, Fragmenten und Widersprüchen einer Geschichte drei junger Frauen,
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Im Stil einer investigativen True-Crime-Dokumentation beleuchtet der Film die unerbittliche, fast zwei Jahrzehnte andauernde Jagd der beiden Detectives Joe Kirby und Lexi Taylor auf einen sadistischen Serienmörder, der in Südkalifornien nur als „Mr. Shiny“ bekannt ist. Jedes seiner makabren Verbrechen stellt die Polizei vor ein immer größeres Rätsel, denn seine Rituale scheinen direkt mit einer dunklen, kosmischen Macht in Verbindung zu stehen. Mit akribischer Liebe zum dokumentarischen Detail – von grausamen, angeblichen Tatortfotos über verstörende Überwachungsvideos bis hin zu erschreckend authentisch wirkenden Interviews – kreiert Regisseur Stuart Ortiz (Mitbegründer der „Vicious Brothers“ und Co-Regisseur von „Grave Encounters“) einen nervenzerreißenden Mockumentary-Albtraum. Die Grenzen zwischen Realität und blutiger Fiktion verschwimmen so meisterhaft, dass man als Zuschauer immer wieder daran zweifeln muss, ob das Gesehene nicht doch bittere Realität ist. Ein packender Abstieg in die Abgründe menschlicher (und übermenschlicher) Grausamkeit.
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Michal Kosakowskis Experimentalfilm/Filmessay reflektiert die Darstellung des Holocausts in der Geschichte des Kinos. Fensterscheiben werden eingeschlagen, Wagentüren schließen sich, Lederstiefel glänzen, Rauchwolken ziehen aus den Schornsteinen. Das passiert immer wieder aufs Neue und immer ein bisschen anders: Parallelitäten, Wiederholungen, Seitenwechsel. Aus über 3.000 filmischen Beispielen zeigt Michal Kosakowski, wie der Holocaust gespielt und ausgestattet, gebaut und inszeniert wurde. Seine akribische Archivrecherche verdichtet sich im atemlosen Schnitt zu einer Anatomie des Genozids in wiederkehrenden Motiven, Themen und Bildern.
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1995 hat sich die gefeierte Krimiautorin Patricia Highsmith (Helen Mirren) in ihr Chalet in den Schweizer Alpen zurückgezogen. Der Welt und ihrer Leserschaft längst überdrüssig, umgibt sie sich nur noch mit Büchern, Katzen und ihrer geliebten Sammlung antiker Waffen. Die selbstgewählte Einsamkeit endet jäh, als der junge Lektor Edward Ridgeway (Alden Ehrenreich) plötzlich vor ihrer Tür steht. Im Auftrag ihres New Yorker Verlags soll er die eigensinnige Amerikanerin zu einem letzten Roman mit ihrer berühmtesten Figur überreden: dem Hochstapler und Mörder Tom Ripley. Highsmith lehnt ab. Es sei denn, Edward hilft ihr, den perfekten Mord zu erfinden. Dafür braucht es einen unauffälligen Durchschnittstypen wie ihn und das richtige Werkzeug – ein scharfes Messer, eine Pistole oder vielleicht eine Prise Arsen? Schnell wird aus Edwards Besuch bei der alten Dame ein gefährliches Katz-und-Maus-Spiel, in dessen Verlauf sich beide fragen müssen, wer hier eigentlich gerade die Fäden zieht. Mehr als ein Dutzend ihrer Romane wurden verfilmt, einige mehrfach, mit Millionen begeisterten Kinobesuchern weltweit. In diesem psychologischen Thriller voller überraschender Wendungen erleben wir die Kult-Autorin erstmals selbst – kongenial gespielt von Oscar®-Preisträgerin Helen Mirren. Regie führt Anton Corbijn (CONTROL, THE AMERICAN, A MOST WANTED MAN) nach einer Vorlage der australischen Dramatikerin Joanna Murray-Smith. Alden Ehrenreich (SOLO: A STAR WARS STORY) gibt den schwer durchschaubaren Edward Ridgeway, der die reiche Erbin Clementine Balfour (Olivia Cooke, HOUSE OF THE DRAGON) mit demselben leichtfüßigen Charme umgarnt, mit der er Highsmith zu widerstehen versucht. EIN TALENT FÜRS MORDEN ist ein zutiefst faszinierender Ausflug in eine Welt, in der Geschichte und Mythos auf reizvolle Weise miteinander verwoben sind: ein Ripley-Film ohne Ripley und gerade deshalb ein Highsmith wie kein zweiter.
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Mit harter Arbeit und bedingungsloser Disziplin hält der Muschelfarmer Jack den Familienbetrieb an der rauen Küste von Nordwales am Laufen. Über die Jahre hat er sich mit seiner Frau Maggie eine stabile Existenz aufgebaut, ohne sich dabei je recht fragen zu können, was er wirklich vom Leben will. Antworten bekommt er, als der jüngere Deckhelfer Daniel in der abgelegenen Gemeinde auftaucht und keinen Hehl daraus macht, wie attraktiv er Jack findet. Mit ihrem zweiten Spielfilm taucht die Schriftstellerin und Regisseurin Helen Walsh („The Violators“) tief in die Gefühlswelt eines Mannes ein, den das Leben gelehrt hat, seine Gefühle so gut wie möglich zu verbergen. Der erst lernen muss, wie es ist, er selbst zu sein – und sich dabei fragt, ob ihn das tatsächlich zu einem glücklicheren Mann machen würde. „On the Sea“ ist eine feinfühlige, hellsichtige Geschichte über gelernte Männlichkeit, über die Orte, die uns prägen, und die heimlichen Wünsche, denen wir uns am Ende doch nicht verweigern können. Ein erwachsener, besonderer Film über die Liebe.
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Feuerwehrfrau Alex (Jeanne Goursaud) wird gemeinsam mit ihrem Kollegen Jakob (Laurence Rupp) zu einem abgelegenen Herrenhaus gerufen. Dort soll die sechsjährige Laura in einem antiken Tresor eingeschlossen sein. Was zunächst wie ein ungewöhnlicher, aber routinierter Rettungseinsatz erscheint, entwickelt sich schnell zu einem Albtraum. Denn im Haus der Familie Winter stimmt nichts. Je näher Alex und Jakob der Wahrheit kommen, desto deutlicher wird, dass der Tresor ein weitaus dunkleres Geheimnis birgt. Zwischen widersprüchlichen Aussagen, rätselhaften Nachbarn und einer immer bedrohlicher werdenden Situation beginnt für die beiden ein Wettlauf gegen die Zeit. Schon bald geht es nicht mehr nur darum Laura zu retten, sondern selbst mit dem Leben davonzukommen. UNSAFE ist ein packender Thriller von Regisseur und Drehbuchautor Thomas Sieben. 2009 feierte er mit seinem Langfilmdebüt DISTANZ Premiere bei der Berlinale und machte sich mit Netflix-Thrillern wie KIDNAPPING STELLA (2019) und PREY (2021) international einen Namen. In den Hauptrollen sind Jeanne Goursaud (EXTERRITORIAL) und Laurence Rupp (Gentle Monster) zu sehen. Den Cast ergänzt Alexandra Maria Lara (Der Untergang).
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Auf der abgelegenen Vulkaninsel Fogo wächst Nana ohne ihre kranke Mutter Nia auf, die sie früh verließ. Als Nana selbst schwer erkrankt, wird sie an den Fuß des Vulkans gebracht und erlebt eine Welt zwischen Traum und Wirklichkeit. Jahre später kehrt Nia zurück – und Nana muss entscheiden, ob sie bleibt oder geht. Der Film wurde auf der Insel Fogo („Feuer“) gedreht, einer der zehn Inseln des Kapverdischen Archipels. Hanami ist einer der wenigen Spielfilme, die auf den Kapverden gedreht wurden, und einer der ersten, der von einer kapverdischen Regisseurin gedreht wurde.
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Der preisgekrönte Fotograf Misha Vallejo begibt sich auf eine zutiefst persönliche Reise und nutzt die Kamera seines verstorbenen Großvaters, um ein verlorenes Familienalbum zu rekonstruieren. Seine Suche schlägt eine Brücke zu einem Mann, den er nie kennengelernt hat, und setzt sich zugleich mit dem Fehlen von Familienfotografien auseinander und den Geschichten, die sie hätten erzählen können. In intimen Momenten mit seiner Großmutter erforscht Misha Themen wie die Abwesenheit von Vätern, Rassismus und soziale Diskriminierung, deckt verborgene Familiengeheimnisse auf und eignet sich Orte an, die seinen Angehörigen einst verwehrt blieben. Seine Bilder fangen sowohl den Schmerz, die Gewalt als auch die Flüchtigkeit von Erinnerungen ein und wecken zugleich Hoffnung auf eine Versöhnung. Light Memories ist ein bildstarker und zugleich nachdenklicher Film, über die Kraft der Fotografie, die Widerstandsfähigkeit von Familien und die Möglichkeit, Verlorenes zurückzugewinnen.
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Russland, 2022. Der erfolgreiche Geschäftsmann Gleb sieht sich wachsendem unternehmerischem Druck und politischer Instabilität ausgesetzt. Je mehr er die Kontrolle über sein sorgfältig strukturiertes Leben verliert, desto unerbittlicher steuert er auf die Gewalt zu.
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Im mittlerweile achten Teil der erfolgreichen „Çakallarla Dans“-Reihe stolpert die chaotische Truppe in ihr bislang wohl größtes Abenteuer. Statt eines ruhigen Neuanfangs werden die Freunde kurzerhand entführt und finden sich mitten in einem internationalen Schmugglerring wieder, der sie bis nach Deutschland führt. Zwischen alten Streitereien, neuen Bekanntschaften und reichlich absurden Situationen versucht die Crew, den Kopf aus der Schlinge zu ziehen – und ganz nebenbei einen großen kriminellen Plan zu vereiteln. Chaos und Überraschungen sind dabei natürlich vorprogrammiert.
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In Verona begegnen sich Romeo Montague und Julia Capulet und verlieben sich tief ineinander, doch ihre beiden Familien verbindet ein uralter Hass. Angetrieben von einer ebenso starken wie unmöglichen Leidenschaft sehen sich die beiden Liebenden einem tragischen Schicksal gegenüber, das sie für immer vereint. Die von Shakespeare zum Mythos erhobene Geschichte von Romeo und Julia musste bis ins 20. Jahrhundert warten, um dank Sergej Prokofjews Musik aus dem Jahr 1935 zu einem Ballett zu werden. In seiner 1984 für das Ballett der Pariser Oper geschaffenen Inszenierung erweckte Rudolf Nurejew diese brillante und energiegeladene Partitur in einer opulenten, filmischen Version zum Leben. Seine Choreografie konzentriert sich auf die Verwandlung des jungen Romeo in einen Mann, neben einer leidenschaftlichen Julia, die auf tragische Weise erwachsen wird. Ballszenen, jugendliche Rivalitäten und Duelle vor dem Hintergrund einer prächtig nachgebildeten italienischen Renaissance verleihen der Geschichte der Liebenden von Verona, die zwischen dem uralten Hass ihrer Familien gefangen sind, Tiefe und Kraft.
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Unter der sengenden Sonne Spaniens wirft Don José ein Auge auf die stolze und unabhängige Carmen. Sie warnt ihn davor, sich in sie zu verlieben, doch er ist heillos von ihr besessen. Damiano Michielettos glühend heiße Produktion kehrt zurück auf die Bühne und rückt Lust, Gewalt und destruktives Verlangen unter das Brennglas in Bizets zeitlos beliebter Oper. Ein wahres Star-Ensemble heizt in diesem Drama ein – Ginger Costa-Jackson spielt die feurige Titelrolle, Russell Thomas den eifersüchtigen und verzweifelten Don José. Nach seinem Debüt an der Royal Opera 2023 dirigiert Sesto Quatrini Bizets elektrisierende und sinnliche Partitur erneut.
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Das Herr der Ringe Quiz #2: Ein Quiz, sie zu knechten Staubt eure Elbenmäntel ab und versammelt eure Gefährten – wir kehren mit brandneuen Fragen zurück nach Mittelerde! Egal, ob ihr jede Zeile der Extended Editions auswendig mitsprechen könnt oder einfach einen genialen Abend mit guten Freunden verbringen wollt: Dieses Quiz ist für alle gemacht. Ihr müsst weder Gandalf der Graue noch ein uralter Gelehrter sein, um den Sieg einzufahren. Hier gewinnt das beste Teamwork: Scharfe Logik, schnelles Denken, visuelles Wiedererkennen, ein gutes Gehör für legendäre Soundtracks und verlässliches Wissen über Mittelerde! Wie der Abend abläuft • 36 Fragen in 6 Runden (6 Fragen pro Runde) • Was euch erwartet: Wir konzentrieren uns hauptsächlich auf die Hauptstory rund um Der Hobbit und Der Herr der Ringe in Buch und Film. (Es gibt nahezu null tiefes Spezialwissen oder mysteriöse Silmarillion-Fragen!) • Abwechslungsreiche Aufgaben: Es ist viel mehr als nur reines Wissen! Euch erwartet ein Bunter Mix aus Logikrätseln, visuellen Gedächtnistests, Sound-Erkennen und Wissen – jedes Teammitglied bekommt seine Sternstunde. • Mudraubendes Finale: Die letzten 2 Runden sind Risikorunden, die den Puls garantiert höherschlagen lassen, wenn sich die Punkte auf dem Ranglisten-Board noch einmal komplett drehen! • Die Krönung: Am Ende des Abends erleben wir die Rückkehr des Königs – die siegreiche Gemeinschaft steigt auf und sichert sich die Krone der Nacht. Die wichtigsten Event-Details • Teamgröße: 4–9 Hobbits, Elben, Zauberer und Abenteurer. • Wichtig: Bitte bucht euer gesamtes Team in einem Rutsch, damit wir den Platz für eure Gemeinschaft optimal planen können. • Sitzplätze: Feste Sitzplatzvergabe! Ein paar Tage vor dem Event erhaltet ihr eine E-Mail mit allen wichtigen Infos und euren genauen Sitzplatzdetails – so ist euer Platz in der Großen Halle des Auenlandes im Kinopolis bei eurer Ankunft schon perfekt vorbereitet. • Vorbereitung: Teilt die Bücher und Filme strategisch unter euren Gefährten auf oder schnallt euch gemeinsam für einen epischen Filmmarathon fest!
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Mit seinen Songs prägte er eine Ära: George Michael. Mit dem neuen Konzertfilm GEORGE MICHAEL – THE FAITH TOUR erwacht seine legendäre Faith-Tour im Kino noch einmal zum Leben, mit nie zuvor gezeigtem Material, spektakulär überarbeitet und remastered. GEORGE MICHAEL – THE FAITH TOUR zeigt einen der einflussreichsten Stars seiner Generation auf dem Höhepunkt seines kreativen Schaffens. Das wiederentdeckte 35-mm-Filmmaterial seines Auftritts 1988 in Paris, im Palais Omnisports de Paris-Bercy (heute Accor Arena), ist ein wahrer Glücksfall. Dank der aufwendigen Restaurierung lässt sich die rekordbrechende Faith-Tour noch einmal auf der großen Leinwand erleben. Zugleich wird ein Moment wieder lebendig, der die Popkultur nachhaltig geprägt hat. Den Auftakt bildet Mary McCartneys (If These Walls Could Sing) Kurzfilm Finding Faith. Neu entdeckte Bild- und Tonaufnahmen aus den Jahren 1986 bis 1988 gewähren einen ebenso lebendigen wie intimen Einblick in George Michaels Gedankenwelt – in einer Zeit, die sein Leben und seine Karriere entscheidend veränderte.
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Eine spannende Geistergeschichte im London von Dickens, die die übernatürliche Reise eines Mannes begleitet, auf der er sich seiner Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft stellen muss, während er um eine zweite Chance auf Erlösung kämpft. Diesen November ist Johnny Depp Ebenezer Scrooge. Den Namen kennen Sie, die Geschichte nicht.
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Die Universität Düsseldorf gerät weltweit in die Schlagzeilen: Die gefeierte Professorin Saraswati (Stephanie Eidt), die sich als „Person of Color“ ausgibt, ist in Wahrheit weiß! Studentin Nivedita (Amanda Babaei Vieira), auch bekannt als Podcasterin „Identitti“, hat ein altes Foto von Saraswati gefunden und deckt damit die Lebenslüge auf. Das Foto gerät in die sozialen Medien und der Skandal um Saraswatis Identitätstäuschung nimmt seinen Lauf. Während in der Presse und online gehetzt wird und man ihre Entlassung fordert, begibt sich Nivedita auf die Suche nach den Motiven für Saraswatis jahrelangen Betrug. Dabei begegnet sie Kaali (Sabrina Setlur), ihrem eigenen Alter Ego, und gerät in einen politischen wie persönlichen Konflikt, der sie zwingt, nicht nur Saraswatis Identität, sondern auch ihre eigene zu hinterfragen. Der Film IDENTITTI basiert auf dem gleichnamigen Bestsellerroman von Mithu Sanyal aus dem Jahr 2021, der sich mit Fragen kultureller Aneignung, Cancel Culture, Zugehörigkeit und Identität auseinandersetzt. Regisseurin Randa Chahoud („Deutschland 89“) und Drehbuchautorin Friederike Jehn gelingt mit klugem Humor, junger Bildsprache und pointierten Dialogen ein brisanter und erfrischend zeitgemäßer Film – eine Tour de Force, die noch lange nachwirkt. Der fast vollständig weiblich besetzte Cast umfasst u.a. Sabrina Setlur, Deutschlands erster weiblicher Rap Star mit über 2 Millionen verkauften Tonträgern, die hier ihr Leinwanddebüt gibt.
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In HOW TO ROB A BANK streamt eine Gruppe junger Outlaws ihre riskanten Raubüberfälle live ins Netz. Dabei ahnen sie nicht, dass sie aufgrund ihres wachsenden viralen Ruhmes ins Visier eines erfahrenen FBI-Agenten und einer brillanten Softwareentwicklerin geraten sind. Obwohl das ungleiche Duo ihnen immer näherkommt, geht die Bande bis an ihre Grenzen und setzt für ihre Überzeugungen – und ihren bisher ehrgeizigsten Raubüberfall – alles aufs Spiel.
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Bis heute bedeutet sie die Welt für jene Bretter, die die Welt bedeuten. Helene Weigel hat ein unglaubliches Vermächtnis hinterlassen – mit ihrem eigenen Werk und dem ihres Mannes Bertolt Brecht, der an ihr wuchs und nur mit ihr Theatergeschichte schreiben konnte. Von der „lärmendsten Schauspielerin Berlins“, die Anfang der 1920er Jahre mit explosivem Stil und rabiater Behauptungskunst zum Theaterstar der Hauptstadt aufstieg, zur Intendantin des Berliner Ensembles, die altes Kriegsgerät als Theatertechnik verbauen ließ. Sie war eine Macherin, die sich für nichts zu fein war. Ihr Spektrum reichte von der Handwerkerin bis zur Erneuerin des Epischen Theaters, von der Sängerin in Arbeiterkneipen bis zur Matriarchin mit Masterplan, die sich und ihr Theaterhaus gegen alle Verwerfungen der Nachkriegszeit zu wehren wusste. Für viele Menschen in der jungen DDR wurde sie zur Hoffnungsträgerin. Der Dokumentarfilm HELENE WEIGEL – REVOLUTIONÄRIN IM RAMPENLICHT füllt eine gravierende Lücke, denn erschütternd wenig wird an den gewaltigen Spielraum erinnert, den Helene Weigel für sich, die Schauspielkunst und die Kulturpolitik erkämpfte. Er lässt teilhaben an diesem verwegenen, rasanten, tragischen Leben, das voller Erschütterungen und unerschütterlicher Energie steckt. Höchste Zeit ist es für die Geschichte dieser Jüdin aus Wien, die zu einer Frau der Extreme wurde. Mit viel Feingefühl erzählt Regisseurin Maria Wischnewski auch von der privaten Seite dieses hochpolitischen Lebens, von Liebe und Schmerz einer zutiefst menschlichen Heldin. Sie folgt ihren familiären Spuren und Verzweigungen bis in die Generation, die heute in den USA lebt. Mit neuem und aufwendig digitalisiertem Archivmaterial und persönlichen Briefen, gesprochen von Birgit Minichmayr und August Diehl, und flankiert von Zeitzeugen, Erben und Angehörigen, darunter Katharina Thalbach, Johanna Schall und Manfred Karge, entsteht ein kluges Porträt dieser bahnbrechenden künstlerisch-intellektuellen Symbiose zwischen Bertolt Brecht und Helene Weigel.
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Kurz vor dem Militär-Putsch in Chile im Jahr 1973 werden die CIA-Agenten Chris (John Malkovich) und Lee (Sam Rockwell) von ihrem Büroleiter MJ (Steve Buscemi) von Santiago auf die Osterinsel entsandt. Vor dem Hintergrund der ikonischen Skulpturen der Insel ringen die langjährigen Partner mit ihrer dunklen Vergangenheit und aktuellen Verschwörungen. Dabei droht Chris’ neu gefundene Freundschaft mit zwei rebellischen Studentinnen (Mariana di Girolamo und Ailín Salas) die Reise aller in dieses abgelegene Paradies völlig aus dem Ruder laufen zu lassen.
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Der Dschungel macht aus guten Menschen bessere und aus schlechten Menschen Monster.“ Ein junges Ärzteteam reist im Rahmen einer humanitären Mission mit einem Schiff tief in den Amazonas-Regenwald und macht sich damit nicht nur Freunde. Ihr Besuch ruft eine uralte Jägerin auf den Plan: die Boiúna. Diese mythische, aus dem kolumbianischen Volksglauben stammende Riesenschlange kehrt zurück, um ihr Territorium zu verteidigen. Sie entscheidet, wer lebt und wer stirbt. Mitten im dichten Dschungel entfacht ein unerbittlicher Kampf ums Überleben, in dem die Grenzen zwischen Jäger und Gejagtem immer mehr verschwimmen.
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Im Jahr 1932 verfasste Herman J. Mankiewicz – der zehn Jahre später durch das Drehbuch zu *Citizen Kane* Weltruhm erlangen sollte – *The Mad Dog of Europe*, ein Anti-Nazi-Filmprojekt, das den Zerfall einer deutsch-jüdischen Familie zu Beginn von Hitlers Machtergreifung schilderte. Dieses visionäre Drehbuch wurde von den Hollywood-Studios, die zwischen diplomatischem Druck und wirtschaftlichen Interessen gefangen waren, letztlich zu den Akten gelegt und trotz mehrerer engagierter Versuche zu seiner Realisierung, nie verfilmt. Die Geschichte dieses Filmes, der nie gedreht wurde, findet eine eindringliche Resonanz in den zunehmend gefährlichen ideologischen Bruchlinien unserer eigenen Zeit und dem wachsenden Druck der Politik auf die Kultur als Vorbote autoritärer Tendenzen.
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Ein toxisch schimmernder Nebel legt sich über eine retrofuturistische Metropole – und mit ihm erwacht die Legende vom Leatherman zu blutigem Leben: ein Killer, der seine Opfer mit diamantenbesetzten Lederhandschuhen zerfetzt. Während die Stadt im Bann des Killers liegt, begibt sich die junge Elle (Sophie Thatcher) auf die Suche nach ihrem Vater. Zur gleichen Zeit kämpft sich Soldat K. (Charles Melton) durch die Unterwelt, um seine entführte Tochter zu retten. Ultraviolence in Ultraviolett: Für den dänischen Autorenfilmer Nicolas Winding Refn, der sich mit visionären Ausnahmefilmen wie DRIVE und THE NEON DEMON in die Filmgeschichte eingeschrieben hat, markiert HER PRIVATE HELL nach mehr als zehn Jahren eine wuchtige Rückkehr auf die große Leinwand. Mit Sophie Thatcher (HERETIC, COMPANION) und Charles Melton („Beef“, MAY DECEMBER) in den Hauptrollen entfesselt Refn einen hypnotischen Trip in die Abgründe menschlichen Begehrens – virtuos inszeniert in seiner unverkennbaren, neongetränkten Bildsprache. Seit seiner Weltpremiere in Cannes spaltet Refn damit einmal mehr die Gemüter – und entfacht einen audiovisuellen Rausch, begleitet von den opernhaften Klängen des italienischen Soundtrack-Maestros Pino Donaggio, der für die Zusammenarbeit mit Refn aus dem Teilruhestand zurückgekehrt ist.
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Der „Superbuhei“ ist ein Supermarkt in Hannover-Langenhagen. Er ist kein typischer Supermarkt. Statt einer Bäckerei gibt es dort eine Bar namens Klaus Meine. Täglich sitzen ein paar Alkoholiker den ganzen Tag an der Theke und hören die gleichen Scorpion-Songs aus den Lautsprechern „Klaus Meine“ gehört Jesse Bronske. Jesse Bronske führt ein Leben der absoluten Durchschnittlichkeit: Zwischen Fertiggerichten, seiner Quizshow-begeisterten Ehefrau Mona und seiner Kneipe scheint der Alltag in festen, alkoholgetränkten Bahnen zu verlaufen. Doch die Fassade bröckelt, als Jesse überzeugt ist, nachts einem Einbrecher gegenübergestanden zu haben. Als dann auch noch ein Anwaltsbrief des echten Klaus Meine die Existenz seiner Bar bedroht, verschwimmen Realität und Wahnvorstellung. Gibt es einen mysteriösen Doppelgänger, der ihm Schritt für Schritt sein Leben stehlen will? Grandios besetztes Debüt-Kleinod mit Oliver Korritke in einer Paraderolle – Grotesk lustig, abenteurlich absurd und auch ein bißchen tiefgründig!
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Nicht auf der Suche nach dem Spektakulären. Sondern nach Spuren von Menschlichkeit. Johannes Müller reist dorthin, wo die Welt oft längst weitergeschaut hat. Als Konfliktfotograf dokumentiert er Menschen in Kriegs- und Krisengebieten – nicht auf der Suche nach dem spektakulären Bild, sondern nach Momenten von Würde, Nähe und Menschlichkeit. Regisseurin Sandra Kaudelka begleitet ihn in den Nordirak: zu Peschmerga im Einsatz gegen den IS, zu Familien in Geflüchtetenlagern und zu iranischen Frauen, die nach ihrer Flucht für ihre Rechte und ein selbstbestimmtes Leben kämpfen. Ein eindringlicher Kinodokumentarfilm über die Macht der Bilder, die Verantwortung des Fotografierens und die Menschen hinter den Schlagzeilen. Hauptberuflich arbeitet Johannes Müller als Kommunikationsmanager eines internationalen Unternehmens. Doch immer wieder lässt er seinen sicheren Alltag in Deutschland hinter sich und reist mit seiner Kamera in Regionen, die von Krieg, Flucht und politischer Gewalt geprägt sind. In ihrem Dokumentarfilm „CHASING HOPE – Der andere Blick“ begleitet Sandra Kaudelka ihn auf einer Reise durch den Nordirak. Gemeinsam mit seinem lokalen Begleiter Kareem besucht Müller Peschmerga-Einheiten und Geflüchtetenlager. Frauen und Witwen erzählen von Verlust, vom Warten und von fehlenden Perspektiven. In einem Trainingscamp begegnet er iranisch-kurdischen Frauen, die nach ihrer Flucht für ihre Rechte kämpfen und weiterhin mit der Gefahr von Angriffen leben. Aus diesen Begegnungen entsteht ein Film über den Alltag unter Bedrohung und die Kraft, dennoch weiterzuleben. Zugleich geht es um Müllers eigene Rolle: Welche Verantwortung trägt ein Fotograf für die Menschen und Geschichten, die er zeigt?
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Carlobianchi und Doriano warten auf die Rückkehr ihres alten Freundes Genio, der nach vielen Jahren aus Argentinien zurückkehren soll. Statt einfach die Nacht verstreichen zu lassen, brechen die beiden in ihrem Wagen zu einer letzten Trinktour Richtung Venedig auf. Unterwegs treffen sie auf Giulio, einen scheuen Architekturstudenten, der widerwillig in ihren Strudel aus Bars, Erinnerungen und improvisierten Umwegen hineingezogen wird. Was als ziellose Nachtfahrt beginnt, wird zu einer Reise durch die venetische Provinz, durch verpasste Chancen, männliche Freundschaft und das Nachglühen vergangener Leben. Während Giulio den beiden immer tiefer in ihre melancholisch-komische Welt folgt, verändert sich auch sein Blick auf Liebe, Zukunft und die Möglichkeit, dem eigenen Leben eine andere Richtung zu geben.
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In der albanischen Hafenstadt Durrës wird der ehemalige Häftling Arion (Noizy) aus dem Gefängnis geholt, um für den hoch verschuldeten Ilir (Blerim Destani) an illegalen Bare-Knuckle-Kämpfen in der berüchtigten Kampfstätte «The Circle» teilzunehmen. Clubbesitzer Hans (Moritz Bleibtreu) begegnet ihm zunächst mit Skepsis. Doch als Arion immer mehr Aufmerksamkeit auf sich zieht, erkennt auch Hans sein kommerzielles Potenzial. Was als Ausweg aus der Misere beginnt, entwickelt sich zu einem riskanten Spiel, als Ilir in ein illegales Wettnetzwerk gerät. BLOOD MONEY ist ein raues Kampfsportdrama über zwei Männer, die versuchen, ihrem Leben zu entkommen.
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