Filmstarts im Gloria Palast

Und jetzt krieche ich in dein Herz. Die eigene Mutter ist für ein Kind der Inbegriff von Geborgenheit. Doch die kleine Bela muss erkennen, dass das Böse manchmal genau das Gesicht trägt, dem man am meisten vertraut. Mit OTHER MOMMY öffnen James Wan, Blumhouse Atomic Monster und Rob Savage die Tür zu einer Welt, in der Sicherheit nur eine trügerische Erinnerung ist. Oscar®-Preisträgerin Jessica Chastain (The Eyes of Tammy Faye, Zero Dark Thirty) spielt die Doppelrolle als Belas Mutter und als „Other Mommy“, eine der Manifestationen der düsteren Kreatur. Jay Duplass (Transparent) ist als Belas Vater Daddo zu sehen. Arabella Olivia Clark (The Housemaid – Wenn sie wüsste) schlüpft in die Rolle des Mädchens Bela. Zum hochkarätigen Schauspielensemble gehören außerdem die für den Actor Award nominierte Dichen Lachman (Severance), der für den Emmy und den Tony Award nominierte Arian Moayed (Succession) sowie Filmlegende Karen Allen (Indiana Jones-Filme).
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Wolf Biermann hat schon immer polarisiert, bis heute. Die poetische Kraft seiner Lieder hat seit über 60 Jahren für kleine und große politische Beben gesorgt. Und so ist die Musik der Ausgangspunkt, sich der Jahrhundertpersönlichkeit Biermann zu nähern. Die Kamera begleitet den 90-Jährigen bei zahlreichen Treffen mit jungen Künstler.innen, Politiker.innen sowie seiner Familie und setzt die gewonnenen Bilder in eine Collage von Zeitdokumenten, darunter bisher noch nicht veröffentlichte Archiv-Bilder. Es entsteht ein mitreißendes und sehr persönliches Kaleidoskop eines Lebens in fünf verschiedenen Versionen Deutschlands. Eine einzigartige Biografie. Mit keinem lebenden Künstler ist deutsch-deutsche Geschichte so verbunden wie mit Wolf Biermann. BIERMANN ist ein Dokumentarfilm des Europäischen Filmpreis- und Golden Globe-Gewinners Jens Meurer (AN IMPOSSIBLE PROJECT, SEASIDE SPECIAL) über das Leben und Werk des Dichters und Liedermachers Wolf Biermann. Der Film zeichnet seine Biografie als unmittelbaren und hautnahen Rückblick nach und verbindet persönliche Erinnerungen mit politischer Zeitgeschichte. Im Zentrum stehen Biermanns Herkunft, seine Hinwendung zur Musik, sein Wirken in der DDR, das Kölner Konzert von 1976 und dessen Folgen sowie sein künstlerisches Arbeiten bis in die Gegenwart. Der Film nähert sich seinem Protagonisten über Musik, Sprache und historische Materialien. Archivaufnahmen, Zeitdokumente sowie Ausschnitte aus dem Kölner Konzert von 1976 und dem Konzert im November 2025 bilden das Rückgrat der Erzählung und machen deutlich, wie eng Biermanns Werk mit den politischen Umbrüchen Deutschlands verbunden ist.
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Jahrhunderte nach ihrem mysteriösen Verschwinden taucht die Blutgräfin (Isabelle Huppert) im heutigen Wien wieder auf. Der Legende nach ist sie eine der fleißigsten Vampirinnen des 16. Jahrhunderts, die sich reihenweise Dienstmädchen schmecken ließ. Gemeinsam mit ihrer treuen Zofe Hermine (Birgit Minichmayr) versucht sie, ein gefährliches Buch aufzuspüren, das die Macht besitzt, alles Böse zu vernichten – einschließlich Vampire. Doch auch die Konkurrenz ist hinter dem Buch her: eine Allianz aus Vegetariern und Ordnungsmächten will sie und ihre Wiener Vampir-Bande dingfest machen. Und ein Kongress kleingeistiger Geisteswissenschaftler plant gar die Analyse der „Identität der Vampire im Zeitalter ihrer digitalen Reproduzierbarkeit“. Als Untersuchungsgegenstand jedoch taugt die Blutgräfin nicht, lieber begibt sie sich selbst auf Schnitzeljagd entlang der prächtigen historischen Orte Wiens. Zwei Vampirforscher und ein Polizeiinspektor sind ihnen dicht auf den Fersen durch gesellige Gruften, über Friedhöfe und auf Riesenräder: überall sind Spuren zu entziffern, die zum Buch der Bücher führen. Die morbide Welt des alten Wiens – eine Bibliothek unendlicher Möglichkeiten. Zwischen Irr-Sinn und Aber-Witz: DIE BLUTGRÄFIN von Kultregisseurin Ulrike Ottinger und mit Texten von Elfriede Jelinek ist die Mutter aller Kinofeste, ein groteskes Gelage grandioser Grande Dames, die nach dem roten Elixier des Lebens streben und auf der Umlaufbahn der Deutungen absolut uneinholbar sind. Neben Isabelle Huppert spielen zu Höchstform auf: Birgit Minichmayr, Thomas Schubert, Lars Eidinger, Conchita Wurst, Karl Markovics und viele mehr. Ein exzellentes, spielfreudiges Ensemble in einer federleichten Vampirkomödie, die schon jetzt unsterblich ist.
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Auf den ersten Blick gibt es nichts, was die 17-jährige Ainara von anderen Teenagern in ihrem Alter unterscheidet: Auch in der katholischen Schule gibt es heimliche Trinkabende, und der attraktive Chorpartner Mikel mag ihr nicht so recht aus dem Kopf gehen. Und doch sind die Gefühle der jungen Frau nicht allein von dieser Welt: Sie fühlt sich zu Gott hingezogen. Wäre das Leben, das sich für sie richtig anfühlt, eines als Ordensschwester im katholischen Konvent? Voller Entschlossenheit begibt sich Ainara auf einen außergewöhnlichen Lebensweg. Doch der Plan bringt die Grundmauern ihrer Familie massiv ins Wanken. Während sich der immer etwas gleichgültige Vater Iñaki wenig in die Angelegenheiten seiner Tochter mischt, ist ihre selbstbestimmte Tante Maite fassungslos und setzt alles daran, Ainara von ihrem Vorhaben abzubringen und sie umzustimmen.
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Basierend auf dem Bestseller-Roman des Nobelpreisträgers Kazuo Ishiguro und unter der Regie des Oscar®-Preisträgers Taika Waititi („Jojo Rabbit”) stellt KLARA UND DIE SONNE dem Publikum Klara (JENNA ORTEGA) vor, eine sogenannte „künstliche Freundin”. Klara wünscht sich nichts sehnlicher, als das perfekte Zuhause zu finden. Als Klara Josie (MIA THARIA) begegnet, spürt jede von ihnen sofort, dass sie Seelenverwandte sind. Josie hat ein angespanntes Verhältnis zu ihrer Mutter (AMY ADAMS) und beide haben einen schweren Verlust erlitten, doch Klaras unschuldiges Staunen und ihre unerschütterliche Loyalität beginnen die Familie zu heilen und Licht in Josies komplizierte Welt zu bringen.
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Johanna (11) bekommt überraschend Besuch von ihrem Großvater Kito aus Tansania – zum ersten Mal. Bei einem gemeinsamen Museumsbesuch entdeckt Kito eine Maske, von der er glaubt, dass sie während der Kolonialzeit aus seinem Heimatdorf entwendet wurde. Kurz darauf erschüttert ein rätselhafter Diebstahl die Stadt: Die wertvolle Maske der Makonde ist aus dem Ethnologischen Museum verschwunden. Kito gerät unter Verdacht. Gemeinsam mit ihrer sportlichen Freundin Sweta (11) und dem technikbegeisterten Anton (11) beginnt Johanna, auf eigene Faust zu ermitteln. Die drei decken unerwartete Verbindungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart auf und begeben sich auf eine turbulente Reise, die weit über die Aufklärung des geheimnisvollen Falls hinausgeht. Zwischen Freundschaft, Familie und Geschichte muss Johanna sich nicht nur dem Rätsel um die Maske stellen, sondern auch ihrer eigenen Identität.
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Eigentlich ist Mumbo Jumbo ein rundum zufriedenes kleines Nilpferd – bis ihn ein magisches Missgeschick über Nacht in einen Riesen verwandelt. Plötzlich passt er nirgendwo mehr hinein, und sein neues Leben als Koloss bringt mehr Ärger als Freude. Der einzige Ausweg: die ebenso listige wie unberechenbare Hexe Baba Jaga aufsuchen, die den Zauber rückgängig machen kann. Gemeinsam mit seinen besten Freund*innen macht sich Mumbo Jumbo auf eine gefährliche und turbulente Reise durch eine fantasievolle Welt voller schräger Gestalten. Es ist eine abenteuerliche Reise, die Mumbo Jumbo vielleicht wieder kleiner macht, ihn aber innerlich um ein Vielfaches größer werden lässt.
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Als die Tiere der Manor Farm erfahren, dass ihnen ein schreckliches Schicksal droht, beschließen sie, ihr Leben selbst in die Hand zu nehmen: Sie vertreiben die Menschen und gründen eine Farm, auf der alle Tiere frei und gleich sein sollen. Doch schon bald reißt das Schwein Napoleon immer mehr Macht an sich. Gemeinsam mit seinen Helfern verändert er heimlich die Regeln, verdreht die Wahrheit und genießt ein bequemes Leben, während die anderen Tiere hart arbeiten müssen. Der junge Lucky beginnt zu erkennen, was auf der Farm wirklich geschieht – und fasst den Mut, sich gegen Napoleon zu stellen. Regisseur Andy Serkis erzählt George Orwells weltberühmte Geschichte als ebenso unterhaltsames wie kluges Animationsabenteuer über Freundschaft, Freiheit und den Mut, für das Richtige einzustehen.
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Der sechzehnjährige Sebastian genießt sein leichtes Teenagerleben umgeben von Wald, Feldern und den Landstraßen einer kleinen Stadt: Tagsüber lernt er, nachts lässt er die schwülen Sommertage am See bei Bier und Gras ausklingen. Dann kommt plötzlich der gleichaltrige Kolja in seine Familie, angeblich der Sohn einer gerade verstorbenen Freundin des Vaters. Der Junge schlägt alle sofort in seinen Bann. Jedoch niemanden so sehr wie Sebastian. Es folgt eine Achterbahnfahrt der Gefühle, die Sebastian, aber auch seine Familie, mit maximaler Kraft aus dem Kleinstadt-Alltag schleudert. „Free at Heart“ von Max Hegewald ist ein intensives Coming-of-Age-Drama über eine Liebe, die alle Regeln bricht – und über die Gefühle, die niemand wahrhaben möchte und die sich trotzdem niemals abschalten lassen. Ein mutiger deutscher Debütfilm!
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DJ Dre (Katy O‘ Brian), Besitzerin des kleinen Yum Clubs, steckt in den Vorbereitungen für die große Drag-Show. Sie plant eine riesige Lagerhaus-Party im New Yorker Stadtteil Brooklyn. Doch die Absage des Hauptacts, verstopfte Toiletten, homophobe Schwiegereltern und Kanalratten machen ihr einen Strich durch die Rechnung. Als dann mitten in der Nacht eine Zombie-Apokalypse ausbricht und eine Menge Untote versuchen, in ihren Club einzudringen, muss die bunt gemischte Truppe aus Dragqueens, Club-Kids und Partygästen ihre persönlichen Dramen und Rivalitäten beiseitelegen. Bewaffnet mit High Heels, Glitter und Cocktailshakern kämpfen sie gemeinsam ums pure Überleben gegen die gehirnhungrigen Untoten. QUEENS OF THE DEAD verbindet klassischen Zombie-Splatter mit queerem Glamour und Humor. Charismatische Persönlichkeiten wie Katy O’ Brian („Love Lies Bleeding“) als Dre und Cheyenne Jackson („30 Rock“) sorgen für die nötige Chemie, zusammen mit großen Comedy-Charakteren wie Nina West („RuPaul’s Drag Race“) und Jaquel Spivey („Mean Girls“, 2024). Queen Slay bring ebenfalls das Haus zum Beben in dieser aberwitzigen Zombie Apokalypse. Regisseurin Tina Romero ist die Tochter von George A. Romero, dem Mann, der den Zombiefilm, wie wir ihn kennen, mehr oder weniger ins Leben gerufen hat. Sein bahnbrechender Klassiker „Night of the Living Dead“ aus dem Jahr 1968 und dessen unterschiedliche Fortsetzungen und Nachahmer gehören zu den Klassikern des Genres. Schönerweise verweist auch „Queens of the Dead“ auf das Erbe von Romero Senior, indem es dessen berühmtesten Satz als frechen Ausruf umfunktioniert: „Sie kommen, um dich zu holen, Barbara!“
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Mississippi, 1966: Als eine brutale Mordserie an Bürgerrechtlern das FBI an seine Grenzen bringt, wird der junge Agent Strider (Yahya Abdul-Mateen II) auf den Fall angesetzt. Doch vor Ort stößt er nur auf eine Wand des Schweigens – gedeckt von Korruption und offenem Rassismus. Da die Ermittlungen über die offiziellen Wege nicht vorankommen, wird Strider schließlich ein ungewöhnlicher Partner zur Seite gestellt: der berüchtigte Mafia-Killer Greg Scarpa (Mark Wahlberg), der seine ganz eigenen Methoden hat, um für Gerechtigkeit zu sorgen. BY ANY MEANS ist ein actiongeladener Thriller über ein brisantes Kapitel amerikanischer Geschichte, in dem der zweifach Oscar®-nominierte Mark Wahlberg („The Departed”, „The Fighter”) gemeinsam mit Emmy®-Preisträger Yahya Abdul-Mateen II („Wonder Man“, „The Trial of the Chicago 7“) groß aufspielt. Inspiriert von wahren Begebenheiten entfaltet sich ein packender Crime-Thriller über Gerechtigkeit, Moral und die Frage, wie weit man für das Richtige zu gehen bereit ist.
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An einem stürmischen Abend erhält Pedro einen verzweifelten Anruf seiner Ex-Freundin Laura. Sie bittet ihn, sich für eine Nacht um ihre demenzkranke Mutter Alicia zu kümmern, nachdem deren Pflegekraft auf mysteriöse Weise verschwunden ist. Doch kaum betritt Pedro das Haus, spürt er, dass etwas nicht stimmt. Alicia erkennt ihn nicht. Vielmehr glaubt sie, in ihm Cesar zu sehen: einen geheimen Liebhaber aus ihrer Vergangenheit, mit dem sie ein schreckliches Geheimnis verbindet. Im Laufe der Nacht verwandelt sich das von einem Park umgebene Haus in ein albtraumhaftes Gefängnis. Gefesselt an einen Sessel und Alicias Wahn ausgeliefert, muss Pedro die Rolle des verhassten Cesar übernehmen, während sie mit immer grausamerer Entschlossenheit Vergeltung für das Leid sucht, das sie einst ertragen musste. Schon bald verschwimmen die Grenzen zwischen Realität, Schuld und Wahnsinn und Pedro erkennt, dass manche Geheimnisse niemals ans Licht hätten kommen dürfen. Produziert vom Oscar®-nominierten J.A. Bayona („Die Schneegesellschaft“, „Das Waisenhaus“, „The Impossible“), versammelt CRAZY OLD LADY vor und hinter der Kamera ein preisgekröntes Team. Der profilierte argentinische Drehbuchautor Martín Mauregui gibt mit dem Horrorthriller sein Langfilmdebüt als Regisseur und zeichnet zugleich für das Drehbuch verantwortlich. Die Hauptrolle als Alicia übernimmt eine der bedeutendsten Schauspielerinnen des spanischen Kinos, die durch ihre vielfach ausgezeichnete Zusammenarbeit mit Pedro Almodóvar internationale Bekanntheit erlangte: Carmen Maura („Frauen am Rande des Nervenzusammenbruchs“, „Volver – Zurückkehren“). Die Figur des Pedro verkörpert mit Daniel Hendler („Lost Embrace“) eines der prägendsten Gesichter des Nuevo Cine Argentino und des modernen uruguayischen Kinos.
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Alejandro feiert seinen 70. Geburtstag und lädt Familie, Freunde und langjährige Weggefährten zu einem gemeinsamen Abendessen ein. Schnell wird deutlich, dass die Gäste mehr mitbringen als nur Geschenke. Vergangene Lieben, alte Konflikte und schmerzhafte Erinnerungen treten erneut zutage und stellen ihre Beziehungen auf die Probe. Im Laufe des Abends zeigt sich, wie stark die Vergangenheit noch immer in der Gegenwart nachwirkt. BLUE LIGHTS ist ein berührendes Drama über Liebe, Verlust, das Älterwerden und die Menschen, die ein Leben lang miteinander verbunden bleiben.
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In einem Zeitalter der Götter und Könige hängt das Schicksal der Welten am seidenen Faden. Rama, ein Prinz, dessen Leben von Pflicht, Selbstlosigkeit und unerschütterlicher Rechtschaffenheit bestimmt wird, muss sich dem unsterblichen Ravana stellen, getrieben von Stolz und Rache und mächtig genug den Kosmos zu zerstören.
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Kaum hat Kommissar Hubertus Jennerwein (Florian Brückner) seinen Dienst im winterlichen Garmisch-Partenkirchen angetreten, wird die Alpenidylle zum Tatort: Ein dänischer Skispringer stürzt in den Tod, der Präsident des Winterspiele-Komitees entgeht nur knapp einem Anschlag und anonyme Schreiben kündigen weitere Verbrechen an. Zwischen misstrauischen Dorfbewohnern und eitler Lokalpolitik muss Jennerwein einen Täter entlarven, der Aufmerksamkeit sucht und ein tödlich ernstes Spiel spielt.
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Farasha (Mariam Dawoud) und Faris (Eren M. Güvercin) sind 20, als sie sich auf einer Abiparty begegnen – ein Blick, der alles verändert. Doch noch in derselben Nacht stirbt Farasha. Auf der verzweifelten Suche, Kontakt zu Faris aufzunehmen, findet Farasha einen Weg: sie kann ihn treffen, jedoch nur in seinen Träumen und nur für 40 Nächte. So wächst ihre Liebe, bis zur letzten Nacht.
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Papaya ist ein kleines Samenkorn, das im Amazonas lebt. Wie die Mutter und die Geschwister soll es eines Tages ein großer, bunter Baum werden. Aber Papaya hat gar keine Lust! Sie möchte ausbrechen und mehr von der Welt sehen. Vor allem vom Fliegen ist das kleine Samenkorn begeistert. Als es vom Mutterbaum fällt, soll es eigentlich seine Wurzeln ausschlagen. Für Papaya beginnt stattdessen ein großes Abenteuer. Sie trifft witzige Pflanzen, hilfsbereite Tiere und verkleidet sich für eine Flugprüfung sogar als Marienkäfer. Um nicht doch zum Baum zu werden, muss sie ständig in Bewegung bleiben. Dazu muss man sich schlau anstellen, aber auch ein bisschen Glück haben. Nach einer langen Reise kommt Papaya in der Welt der Menschen an. Hier gibt es Straßen und Fabriken und ganz viel Krach. Außerdem ist es überhaupt nicht mehr so schön bunt wie im Wald. Papaya hat eine Idee, wie man die Welt der Menschen viel besser machen kann. Dazu braucht sie aber die Hilfe von den Vögeln und von den Bienen. Und sie muss den Mut und die Kraft finden, den großen Traum wahr werden zu lassen – auch wenn sie noch ganz klein ist. Ein witziges und wunderschönes Animationsabenteuer, das ohne Dialoge und in kunterbunt leuchtenden Farben von der Rettung der Natur durch ihre Verwirklichung erzählt.
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DOG OF GOD entführt das Publikum in ein livländisches Dorf des 17. Jahrhunderts, in dem Aberglaube, religiöser Fanatismus und uralte Mythen den Alltag bestimmen. Als eine heilige Reliquie verschwindet und Hexereivorwürfe das Dorf erschüttern, erscheint ein geheimnisvoller alter Mann, der sich selbst „Hund Gottes“ nennt und behauptet, als Werwolf gegen den Teufel zu kämpfen. In ausdrucksstarker Rotoskopie-Animation verbindet der Film baltische Folklore, schwarzen Humor, Horror und wahre historische Ereignisse zu einem ungewöhnlichen Kinoerlebnis – wild, bildgewaltig und voller schräger Symbolik.
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Einar Schleef war Theatermacher, Bühnenbildner, Schriftsteller, Fotograf, Maler und Filmemacher. Ein Gesamtkünstler aus der Mitte Deutschlands, der in keinem Deutschland ein Zuhause fand – und deshalb sein genauester Chronist ist. Einar Schleef grub sich mit allen künstlerischen Mitteln in die deutsche Realität hinein, in die Abgründe der deutschen Geschichte, die er in die Gegenwart holte. Schleef hat diese Realität gefühlt, erlitten, geatmet, geschmeckt. Und sie aufgeschrieben, inszeniert, fotografiert, gemalt. Von Schleef lässt sich lernen, wer wir sind, wo wir herkommen, und was heute in diesem Land passiert. Geboren in der ostdeutschen Provinz, aufgewachsen in der Nachkriegs-DDR, erste Theatererfolge in Ostberlin, die auch gleich Skandale sind. Das Überleben in der Diktatur, Flucht. Das Nicht-Ankommen-Können im Westen, Depression, und nach langer Pause zurück an das Westdeutsche Theater, wo Schleef einschlägt wie ein Blitz. Mit jeder Inszenierung sprengt Schleef das deutsche Sprechtheater. Erzählt vom Krieg, der noch stattfindet, von Fremdenhass und der Fremdheit zwischen Ost und West, die sich für Schleef nie aufgelöst hat. „Die Tragödie ist die Welt, wie sie ist“, sagt Schleef. „Die Komödie ist die Erholung davon.“ Schleef konnte sich nicht erholen. Schleefs großes Thema ist das Gefangensein im eigenen Körper, in der eigenen Geschichte. Und der Versuch zu entkommen. Ganz unmittelbar, wenn Schleef, seit der Kindheit mit einer schweren Sprachhemmung ringend, auf der Bühne in freier Rede das Stottern überwindet. In seiner Person und seiner Kunst stecken eine Vision, eine Wut, eine Kraft und ein überraschender Humor, an denen wir uns „hochpumpen können“. So würde Schleef es sagen. Wir sehen, hören, fühlen Schleef, den Körpermenschen, erleben seine Erfolge und sein Scheitern. Ein Stationendrama, das uns mit ihm, seinen Worten, Texten, Inszenierungen, Fotografien und Filmen auf eine Zeitreise nimmt, von seiner Kindheit in Sangerhausen in den 1950er Jahren bis zur Jahrtausendwende im vereinten Deutschland. Von den Anfängen als hochbegabter Jugendlicher bis zu seinem einsamen Tod in einem Berliner Krankenhaus. Schleef muss wiederentdeckt werden. Weil er der Spiegel ist, in dem wir uns hier und heute begreifen. Weil er Worte und Bilder findet für diese besondere deutsche Form der Heimatlosigkeit und Entwurzelung. Weil er uns wachrüttelt und auf das stößt, was brodelt in dieser Gesellschaft.
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Sommer in Südspanien. Iván arbeitet in einer großen Gewächshausanlage und steht kurz vor der langersehnten Beförderung zum Manager, die ihm und seiner Familie ein besseres Leben ermöglichen soll. Doch als die schöne Hadoum als neue Saisonkraft in den Betrieb kommt, erwachen bei Iván alte Gefühle. Er kennt Hadoum noch aus der Schulzeit, vor seiner Transition. Nach einer ersten gemeinsamen Nacht am Strand wird die Beziehung der beiden immer intensiver. Doch Hadoum, die sich wegen ihrer marokkanischen Herkunft schon immer gegen Vorurteile behaupten musste, setzt sich auch engagiert für die Arbeitsrechte im Betrieb ein. Iván muss sich entscheiden, zu wem er stehen und wer er wirklich sein möchte. In IVÁN & HADOUM erzählt Ian de la Rosa von der mitreißenden Liebe zweier Außenseiter*innen, die soziale Grenzen einreißen müssen, um zueinander zu finden. „Eine bewegende, provokante und unvergessliche Geschichte“ lobte auf der Berlinale die Jury des queeren Filmpreises Teddy Award – und zeichnete IVÁN & HADOUM als Besten Spielfilm aus.
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Sophie und Jojo sind seit einem halben Jahr getrennt, doch der Berliner Wohnungsmarkt und die Gewohnheit halten sie in ihrer gemeinsamen Wohnung fest. Das prekäre Gleichgewicht gerät ins Wanken, als Sophies Eltern eine drastische Bedingung stellen: Sie finanzieren das Leben ihrer Tochter nur weiter, wenn das Ex-Paar ein Kind zeugt. Was als absurdes Spiel beginnt, zwingt die beiden, sich mit ihrer gescheiterten Liebe, ihren Lebensentwürfen und der Erwartungshaltung ihrer Umwelt auseinanderzusetzen. Eine moderne Beziehungskomödie über das Loslassen, das Festhalten und die Komplexität moderner Lebensmodelle.
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Im Stil einer investigativen True-Crime-Dokumentation beleuchtet der Film die unerbittliche, fast zwei Jahrzehnte andauernde Jagd der beiden Detectives Joe Kirby und Lexi Taylor auf einen sadistischen Serienmörder, der in Südkalifornien nur als „Mr. Shiny“ bekannt ist. Jedes seiner makabren Verbrechen stellt die Polizei vor ein immer größeres Rätsel, denn seine Rituale scheinen direkt mit einer dunklen, kosmischen Macht in Verbindung zu stehen. Mit akribischer Liebe zum dokumentarischen Detail – von grausamen, angeblichen Tatortfotos über verstörende Überwachungsvideos bis hin zu erschreckend authentisch wirkenden Interviews – kreiert Regisseur Stuart Ortiz (Mitbegründer der „Vicious Brothers“ und Co-Regisseur von „Grave Encounters“) einen nervenzerreißenden Mockumentary-Albtraum. Die Grenzen zwischen Realität und blutiger Fiktion verschwimmen so meisterhaft, dass man als Zuschauer immer wieder daran zweifeln muss, ob das Gesehene nicht doch bittere Realität ist. Ein packender Abstieg in die Abgründe menschlicher (und übermenschlicher) Grausamkeit.
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Michal Kosakowskis Experimentalfilm/Filmessay reflektiert die Darstellung des Holocausts in der Geschichte des Kinos. Fensterscheiben werden eingeschlagen, Wagentüren schließen sich, Lederstiefel glänzen, Rauchwolken ziehen aus den Schornsteinen. Das passiert immer wieder aufs Neue und immer ein bisschen anders: Parallelitäten, Wiederholungen, Seitenwechsel. Aus über 3.000 filmischen Beispielen zeigt Michal Kosakowski, wie der Holocaust gespielt und ausgestattet, gebaut und inszeniert wurde. Seine akribische Archivrecherche verdichtet sich im atemlosen Schnitt zu einer Anatomie des Genozids in wiederkehrenden Motiven, Themen und Bildern.
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1995 hat sich die gefeierte Krimiautorin Patricia Highsmith (Helen Mirren) in ihr Chalet in den Schweizer Alpen zurückgezogen. Der Welt und ihrer Leserschaft längst überdrüssig, umgibt sie sich nur noch mit Büchern, Katzen und ihrer geliebten Sammlung antiker Waffen. Die selbstgewählte Einsamkeit endet jäh, als der junge Lektor Edward Ridgeway (Alden Ehrenreich) plötzlich vor ihrer Tür steht. Im Auftrag ihres New Yorker Verlags soll er die eigensinnige Amerikanerin zu einem letzten Roman mit ihrer berühmtesten Figur überreden: dem Hochstapler und Mörder Tom Ripley. Highsmith lehnt ab. Es sei denn, Edward hilft ihr, den perfekten Mord zu erfinden. Dafür braucht es einen unauffälligen Durchschnittstypen wie ihn und das richtige Werkzeug – ein scharfes Messer, eine Pistole oder vielleicht eine Prise Arsen? Schnell wird aus Edwards Besuch bei der alten Dame ein gefährliches Katz-und-Maus-Spiel, in dessen Verlauf sich beide fragen müssen, wer hier eigentlich gerade die Fäden zieht. Mehr als ein Dutzend ihrer Romane wurden verfilmt, einige mehrfach, mit Millionen begeisterten Kinobesuchern weltweit. In diesem psychologischen Thriller voller überraschender Wendungen erleben wir die Kult-Autorin erstmals selbst – kongenial gespielt von Oscar®-Preisträgerin Helen Mirren. Regie führt Anton Corbijn (CONTROL, THE AMERICAN, A MOST WANTED MAN) nach einer Vorlage der australischen Dramatikerin Joanna Murray-Smith. Alden Ehrenreich (SOLO: A STAR WARS STORY) gibt den schwer durchschaubaren Edward Ridgeway, der die reiche Erbin Clementine Balfour (Olivia Cooke, HOUSE OF THE DRAGON) mit demselben leichtfüßigen Charme umgarnt, mit der er Highsmith zu widerstehen versucht. EIN TALENT FÜRS MORDEN ist ein zutiefst faszinierender Ausflug in eine Welt, in der Geschichte und Mythos auf reizvolle Weise miteinander verwoben sind: ein Ripley-Film ohne Ripley und gerade deshalb ein Highsmith wie kein zweiter.
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Nachdem ihr kleiner Bruder von einem Schwarm Krähen entführt worden ist, begibt sich die 12-jährige Prue auf eine abenteuerliche Rettungsmission in die „Undurchdringliche Wildnis“ – einen verzauberten Wald, der sich am Rande von Portland, Oregon, verbirgt. Gemeinsam mit ihrem tollpatschigen Mitschüler Curtis betritt sie eine Welt voller sprechender Tiere, Magie und uralter Mächte. Als die beiden in einen Konflikt geraten, der das Gleichgewicht des Waldes bedroht, entdeckt Prue eine innere Stärke, von der sie niemals geahnt hätte, dass sie in ihr steckt. Wenn sie ihren Bruder retten und das Schicksal von Wildwood verändern will, muss sie alles aufs Spiel setzen. LAIKA, das vielfach Oscar®-nominierte und BAFTA®-prämierte Erfolgsstudio hinter „Coraline“, präsentiert WILDWOOD, ein mitreißendes und bildgewaltiges Stop-Motion-Animationsabenteuer über Liebe, Verlust, Aufopferung und Geheimnisse – und über die Magie, die sich einem offenbart, wenn man bereit ist, sich ihr zu öffnen. Die berührende Geschichte von Prue, die für die Rettung ihres Bruders alles riskiert, basiert auf den gleichnamigen Jugendbuchbestsellern von Colin Meloy.
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Mit harter Arbeit und bedingungsloser Disziplin hält der Muschelfarmer Jack den Familienbetrieb an der rauen Küste von Nordwales am Laufen. Über die Jahre hat er sich mit seiner Frau Maggie eine stabile Existenz aufgebaut, ohne sich dabei je recht fragen zu können, was er wirklich vom Leben will. Antworten bekommt er, als der jüngere Deckhelfer Daniel in der abgelegenen Gemeinde auftaucht und keinen Hehl daraus macht, wie attraktiv er Jack findet. Mit ihrem zweiten Spielfilm taucht die Schriftstellerin und Regisseurin Helen Walsh („The Violators“) tief in die Gefühlswelt eines Mannes ein, den das Leben gelehrt hat, seine Gefühle so gut wie möglich zu verbergen. Der erst lernen muss, wie es ist, er selbst zu sein – und sich dabei fragt, ob ihn das tatsächlich zu einem glücklicheren Mann machen würde. „On the Sea“ ist eine feinfühlige, hellsichtige Geschichte über gelernte Männlichkeit, über die Orte, die uns prägen, und die heimlichen Wünsche, denen wir uns am Ende doch nicht verweigern können. Ein erwachsener, besonderer Film über die Liebe.
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Feuerwehrfrau Alex (Jeanne Goursaud) wird gemeinsam mit ihrem Kollegen Jakob (Laurence Rupp) zu einem abgelegenen Herrenhaus gerufen. Dort soll die sechsjährige Laura in einem antiken Tresor eingeschlossen sein. Was zunächst wie ein ungewöhnlicher, aber routinierter Rettungseinsatz erscheint, entwickelt sich schnell zu einem Albtraum. Denn im Haus der Familie Winter stimmt nichts. Je näher Alex und Jakob der Wahrheit kommen, desto deutlicher wird, dass der Tresor ein weitaus dunkleres Geheimnis birgt. Zwischen widersprüchlichen Aussagen, rätselhaften Nachbarn und einer immer bedrohlicher werdenden Situation beginnt für die beiden ein Wettlauf gegen die Zeit. Schon bald geht es nicht mehr nur darum Laura zu retten, sondern selbst mit dem Leben davonzukommen. UNSAFE ist ein packender Thriller von Regisseur und Drehbuchautor Thomas Sieben. 2009 feierte er mit seinem Langfilmdebüt DISTANZ Premiere bei der Berlinale und machte sich mit Netflix-Thrillern wie KIDNAPPING STELLA (2019) und PREY (2021) international einen Namen. In den Hauptrollen sind Jeanne Goursaud (EXTERRITORIAL) und Laurence Rupp (Gentle Monster) zu sehen. Den Cast ergänzt Alexandra Maria Lara (Der Untergang).
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Auf der abgelegenen Vulkaninsel Fogo wächst Nana ohne ihre kranke Mutter Nia auf, die sie früh verließ. Als Nana selbst schwer erkrankt, wird sie an den Fuß des Vulkans gebracht und erlebt eine Welt zwischen Traum und Wirklichkeit. Jahre später kehrt Nia zurück – und Nana muss entscheiden, ob sie bleibt oder geht. Der Film wurde auf der Insel Fogo („Feuer“) gedreht, einer der zehn Inseln des Kapverdischen Archipels. Hanami ist einer der wenigen Spielfilme, die auf den Kapverden gedreht wurden, und einer der ersten, der von einer kapverdischen Regisseurin gedreht wurde.
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Der preisgekrönte Fotograf Misha Vallejo begibt sich auf eine zutiefst persönliche Reise und nutzt die Kamera seines verstorbenen Großvaters, um ein verlorenes Familienalbum zu rekonstruieren. Seine Suche schlägt eine Brücke zu einem Mann, den er nie kennengelernt hat, und setzt sich zugleich mit dem Fehlen von Familienfotografien auseinander und den Geschichten, die sie hätten erzählen können. In intimen Momenten mit seiner Großmutter erforscht Misha Themen wie die Abwesenheit von Vätern, Rassismus und soziale Diskriminierung, deckt verborgene Familiengeheimnisse auf und eignet sich Orte an, die seinen Angehörigen einst verwehrt blieben. Seine Bilder fangen sowohl den Schmerz, die Gewalt als auch die Flüchtigkeit von Erinnerungen ein und wecken zugleich Hoffnung auf eine Versöhnung. Light Memories ist ein bildstarker und zugleich nachdenklicher Film, über die Kraft der Fotografie, die Widerstandsfähigkeit von Familien und die Möglichkeit, Verlorenes zurückzugewinnen.
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Russland, 2022. Der erfolgreiche Geschäftsmann Gleb sieht sich wachsendem unternehmerischem Druck und politischer Instabilität ausgesetzt. Je mehr er die Kontrolle über sein sorgfältig strukturiertes Leben verliert, desto unerbittlicher steuert er auf die Gewalt zu.
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Im mittlerweile achten Teil der erfolgreichen „Çakallarla Dans“-Reihe stolpert die chaotische Truppe in ihr bislang wohl größtes Abenteuer. Statt eines ruhigen Neuanfangs werden die Freunde kurzerhand entführt und finden sich mitten in einem internationalen Schmugglerring wieder, der sie bis nach Deutschland führt. Zwischen alten Streitereien, neuen Bekanntschaften und reichlich absurden Situationen versucht die Crew, den Kopf aus der Schlinge zu ziehen – und ganz nebenbei einen großen kriminellen Plan zu vereiteln. Chaos und Überraschungen sind dabei natürlich vorprogrammiert.
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In Verona begegnen sich Romeo Montague und Julia Capulet und verlieben sich tief ineinander, doch ihre beiden Familien verbindet ein uralter Hass. Angetrieben von einer ebenso starken wie unmöglichen Leidenschaft sehen sich die beiden Liebenden einem tragischen Schicksal gegenüber, das sie für immer vereint. Die von Shakespeare zum Mythos erhobene Geschichte von Romeo und Julia musste bis ins 20. Jahrhundert warten, um dank Sergej Prokofjews Musik aus dem Jahr 1935 zu einem Ballett zu werden. In seiner 1984 für das Ballett der Pariser Oper geschaffenen Inszenierung erweckte Rudolf Nurejew diese brillante und energiegeladene Partitur in einer opulenten, filmischen Version zum Leben. Seine Choreografie konzentriert sich auf die Verwandlung des jungen Romeo in einen Mann, neben einer leidenschaftlichen Julia, die auf tragische Weise erwachsen wird. Ballszenen, jugendliche Rivalitäten und Duelle vor dem Hintergrund einer prächtig nachgebildeten italienischen Renaissance verleihen der Geschichte der Liebenden von Verona, die zwischen dem uralten Hass ihrer Familien gefangen sind, Tiefe und Kraft.
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Unter der sengenden Sonne Spaniens wirft Don José ein Auge auf die stolze und unabhängige Carmen. Sie warnt ihn davor, sich in sie zu verlieben, doch er ist heillos von ihr besessen. Damiano Michielettos glühend heiße Produktion kehrt zurück auf die Bühne und rückt Lust, Gewalt und destruktives Verlangen unter das Brennglas in Bizets zeitlos beliebter Oper. Ein wahres Star-Ensemble heizt in diesem Drama ein – Ginger Costa-Jackson spielt die feurige Titelrolle, Russell Thomas den eifersüchtigen und verzweifelten Don José. Nach seinem Debüt an der Royal Opera 2023 dirigiert Sesto Quatrini Bizets elektrisierende und sinnliche Partitur erneut.
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Das Herr der Ringe Quiz #2: Ein Quiz, sie zu knechten Staubt eure Elbenmäntel ab und versammelt eure Gefährten – wir kehren mit brandneuen Fragen zurück nach Mittelerde! Egal, ob ihr jede Zeile der Extended Editions auswendig mitsprechen könnt oder einfach einen genialen Abend mit guten Freunden verbringen wollt: Dieses Quiz ist für alle gemacht. Ihr müsst weder Gandalf der Graue noch ein uralter Gelehrter sein, um den Sieg einzufahren. Hier gewinnt das beste Teamwork: Scharfe Logik, schnelles Denken, visuelles Wiedererkennen, ein gutes Gehör für legendäre Soundtracks und verlässliches Wissen über Mittelerde! Wie der Abend abläuft • 36 Fragen in 6 Runden (6 Fragen pro Runde) • Was euch erwartet: Wir konzentrieren uns hauptsächlich auf die Hauptstory rund um Der Hobbit und Der Herr der Ringe in Buch und Film. (Es gibt nahezu null tiefes Spezialwissen oder mysteriöse Silmarillion-Fragen!) • Abwechslungsreiche Aufgaben: Es ist viel mehr als nur reines Wissen! Euch erwartet ein Bunter Mix aus Logikrätseln, visuellen Gedächtnistests, Sound-Erkennen und Wissen – jedes Teammitglied bekommt seine Sternstunde. • Mudraubendes Finale: Die letzten 2 Runden sind Risikorunden, die den Puls garantiert höherschlagen lassen, wenn sich die Punkte auf dem Ranglisten-Board noch einmal komplett drehen! • Die Krönung: Am Ende des Abends erleben wir die Rückkehr des Königs – die siegreiche Gemeinschaft steigt auf und sichert sich die Krone der Nacht. Die wichtigsten Event-Details • Teamgröße: 4–9 Hobbits, Elben, Zauberer und Abenteurer. • Wichtig: Bitte bucht euer gesamtes Team in einem Rutsch, damit wir den Platz für eure Gemeinschaft optimal planen können. • Sitzplätze: Feste Sitzplatzvergabe! Ein paar Tage vor dem Event erhaltet ihr eine E-Mail mit allen wichtigen Infos und euren genauen Sitzplatzdetails – so ist euer Platz in der Großen Halle des Auenlandes im Kinopolis bei eurer Ankunft schon perfekt vorbereitet. • Vorbereitung: Teilt die Bücher und Filme strategisch unter euren Gefährten auf oder schnallt euch gemeinsam für einen epischen Filmmarathon fest!
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